L’histoire de la peinture américaine au XXe siècle peut être divisée en deux grandes parties : avant et après la Seconde guerre mondiale. La première moitié du XXe siècle est un moment de tâtonnements pour affirmer une identité artistique américaine. Les artistes américains de cette période sont méconnus en Europe. Après la Seconde Guerre mondiale, les États-Unis s’affirment comme un véritable foyer de création artistique et ses peintres deviennent des stars, à l’image d’Andy Warhol ou Jackson Pollock.

Les huit et le Groupe de Stieglitz

Alors que débute un siècle qui va voir se multiplier les révolutions en peinture, quelques grands anciens du siècle précédent sont encore actifs, comme l’extraordinaire portraitiste John Singer Sargent, Mary Cassatt l’impressionniste, John Peto et ses trompes l’œil, Frederic Remington et ses tableaux de la conquête de l’Ouest, ou encore Thomas Anshutz qui, avec son tableau The Ironworkers’ Noontime, peint en 1880, annonçait un style qui allait marquer le début du XXe siècle aux Etats-Unis : le réalisme.
C’est en 1908 que se réunissent pour la première (et seule) fois ensemble, un groupe de huit peintres – John Sloane, William Glakens, Ernest Lawson, Maurice Prendergast, George Luks, Everett Shinn, Arthur Davies et leur mentor Robert Henri – en révolte contre l’académisme ambiant et ayant la volonté d’imposer le présent comme sujet de peinture tout en cherchant un style authentiquement américain – les peintres de la seconde moitié du XIXe s’étant tous plus ou moins formés en Europe, notamment à Paris où beaucoup vont résider, comme Mary Cassatt (qui s’y installe même définitivement en 1975), John Henri Twatchman, John Sargent, Frederic Childe Hassam, ou à Londres, comme James Whistler – tous étant fortement influencés en particulier par l’impressionnisme. Les sujets favoris de ces nouveaux jeunes peintres sont les rues chaotiques de New York, les trains fumants, les coins les plus insignifiant de sordides banlieues grises, bref la vie quotidienne de la population multiethnique des grandes villes. La critique, sévère comme souvent quand des artistes veulent aller à l’encontre du bon goût ambiant, vont les appeler « The Ash Can School » (l’École poubelle) ou, plus prosaïquement, « The Eight » (Les huit). Pourtant, cette exposition est un évènement capital pour l’évolution de la peinture américaine : c’est la première fois que de jeunes peintres ont la possibilité de montrer au public des œuvres qui rendent hommage à la vitalité, au bruit, bref à la modernité des villes. Bien qu’il n’ait pas exposé avec eux, le nom de George Wesley Belows, également élève d’Henri, est souvent lié à celui des Huit. Il est notamment connu pour ses tableaux de combats de boxe.
Parmi les Huit, toutefois, certains prendront des chemins particuliers : Maurice Prendergast, fortement influencé par Cézanne (comme beaucoup d’autres peintres de sa génération : Andrew Dasburg, Morgan Russel, Willard Nash, Oscar Bluemner, Arshile Gorky, Marsden Hartley, entre autres), ou William Glackens, plus intéressé par Renoir ou les Nabis.
C’est dans ces mêmes années qu’Alfred Stieglitz, un photographe de renom, ouvre une galerie au numéro 291 de la Cinquième Avenue bientôt surnommée le « 291 » où il expose à côté de photographies en noir et blanc essentiellement urbaines (ponts, gares, moyens de transport, gratte-ciels, lumières de la ville) quelques jeunes peintres modernistes connus sous le nom de « Groupe de Stieglitz » (Arthur Dove, John Marin, Marsden Hartley et Georgia O’Keeffe – qui deviendra sa femme) aux côtés de Cézanne, Picasso, Braque et Picabia qui sont ainsi pour la première fois montrés au États-Unis.

L’Armory Show et Marcel Duchamp

Mais c’est l’Armory Show de 1913, une exposition d’art moderne à New York, qui fit vraiment connaître à grande échelle l’avant-garde européenne sur la côte orientale des États-Unis. Elle réunit une trentaine d’artistes américains (George Bellows, Guy Pène du Bois, Oscar Bluemner, Patrick Henry Bruce, Mary Cassatt, Andrew Dasburg, Stuart Davis, Arthur B. Davies, William Glackens, Marsden Hartley, Childe Hassam, Robert Henri, Edward Hopper, Leon Kroll, Walt Kuhn, George Luks, John Marin, Maurice Prendergast, Charles Sheeler, John Sloan, Joseph Stella, …) dont le but était de traduire l’art européen en langage américain – et les œuvres de près de 300 artistes européens (Bonnard, Braque, Cézanne, Courbet, Degas, Delacroix, Delaunay, Duchamp, Gauguin, van Gogh, Kandinsky, Léger, Manet, Matisse, Monet, Munch, Picabia, Picasso, Redon, Renoir, Rousseau, Vallotton, Vuillard, …).
Les 1300 œuvres de l’Armory Show furent ensuite transportées à Boston et Chicago. À la suite de cette exposition qui provoqua le scandale dans le public – entre autres les œuvres de Picabia, le Nu bleu de Matisse et surtout le Nu descendant un escalier de Duchamp - et une grande remise en question chez les artistes américains, se constituèrent les premières collections d’art moderne (le docteur Barnes ou, plus tard, Peggy Guggenheim), même si, dès 1904, Gertrude Stein avait ouvert la voie ; et le MoMa fut fondé en 1929.
Plusieurs artistes américains modernes furent influencés par le cubisme : Joseph Stella, Max Weber et Marsden Hartley notamment. Stuart Davis transposa les paysages de la Nouvelle-Angleterre ou des ustenciles de la vie quotidienne dans le style moderne. Sa représentation d’objets ou de thèmes liés à la vie quotidienne tels que des paquets de cigarettes font de lui un anonciateur du Pop Art.
Egalement influencé par le cubisme, mais aussi par le futurisme, le précisionnisme vit le jour dans les années 20. Ce mouvement a pour principaux représentants Charles Demuth, Charles Sheeler et Ralston Crawford. Le style précisionniste se caractérise par une représentation cubiste mais figurative (cubo-réalisme). Les thèmes sont souvent des paysages industriels et urbains (cheminées d’usines, bâtiments, châteaux d’eau) représentés de façon cubiste, parfois proche de l’abstraction mais parfois réalistes voire photoréalistes. D’autre part, ces représentations figuratives idéalisées sont généralement vides de toute présence humaine. A partir de 1915, Charles Demuth fit partie du Groupe de Stieglitz et exposa souvent à la galerie « 291 », influençant Georgia O’Keeffe qui réalisa plusieurs tableaux de buildings new yorkais. Il fut également un merveilleux aquarelliste, notamment inspiré par les natures-mortes de Cézanne.

D’autres firent évoluer leur travail vers l’abstraction : Stanton Macdonald-Wright fonda avec Morgan Russell le synchromisme, un mouvement pictural abstrait né sur le sol américain et basé sur les harmonies de couleurs ; Thomas Hart Benton, Andrew Dasburg et Patrick Henry Bruce explorèrent aussi cette nouvelle voie. Mais c’est Arthur Dove qui fut le véritable pionnier de l’art abstrait américain (et peut-être même mondial). Se liant d’amitié avec Stieglitz, il expose en 1912 dix de ses pastels connus sous le nom de « 10 commandements » dans sa Galerie « 291 » : c’est la première exposition grand public d’art abstrait d’un peintre américain. De 1912 à 1946 Dove a exposé chaque année, dans les galeries de Stieglitz : « 291 », « Intimate Gallery » et « An American Place ».
L’art abstrait progressa avec la fondation de l’American Abstract Artists (A. A. A.) en 1936, avec notamment George L. K. Morris, Charles Shaw, Ilya Bolotovsky, que rejoindront de nombreux autres artistes tels que Fritz Glarner, Willem De Kooning ou Ad Reinhardt.

L’influence de Marcel Duchamp fut aussi essentielle dans l’évolution de la peinture américaine. Il fit connaître le dadaïsme dès 1915 à New York et entretint des liens avec Man Ray, Alfred Stieglitz et Francis Picabia avec qui il fonda la revue 291. Il fut surtout le stimulant de presque tout ce qui s’est fait de neuf, de créateur, d’original à New-York entre les deux guerres et même après. L’art contemporain, et notamment l’art conceptuel et le Pop art, doivent beaucoup à ses ready-made. Il fut naturalisé américain en 1955.

The Harlem Renaissance

La Renaissance de Harlem est un mouvement de renouveau de la culture afro-américaine, dans l’Entre-deux-guerres. Son berceau et son foyer se trouvent dans le quartier de Harlem, à New York. Cette effervescence s’étend à plusieurs domaines de la création, les Arts comme la photographie, la musique (Duke Ellington, Louis Armstrong, Billie Holiday) ou la peinture, mais c’est surtout la production littéraire (Alain Locke, Countee Cullen) qui s’affirme comme l’élément le plus remarquable de cet épanouissement.
Soutenue par des mécènes et une génération d’écrivains talentueux, la Renaissance de Harlem marque un tournant majeur dans la littérature noire américaine qui connaît une certaine reconnaissance et une plus grande diffusion en dehors de l’élite noire américaine. La littérature et la culture noires atteignent de tels sommets durant cette période que certains désignent Harlem comme la « capitale mondiale de la culture noire ».
Toute une génération de peintre va s’épanouir dans ce terreau fertile, comme William H. Johnson, Archibald Motley Jr., Palmer Hayden, Romare Bearden ou Loïs Mailou Jones, qui vont peindre la vie quotidienne des noirs américains ou leurs racines africaines. Mais des peintres blancs engagés vont aussi parler de la vie des noirs, comme Joe Jones (dans son tableau coup-de-poing American Justice), ou Ben Shahn.

La grande dépression : régionalisme et réalisme social

La période de la Grande Dépression voit le succès du réalisme. Edward Hopper illustre la solitude dans des paysages urbains. Peintre de la société américaine, il produit des images totalement reconstruites et intègre dans son œuvre les techniques de la photographie et du cinéma (cadrage, décor).
La Grande Dépression provoque un chômage massif parmi les artistes des années 1930. Le New Deal mis en place par le président Franklin D. Roosevelt comporte un volet culturel visant à aider les artistes en difficulté. Cette politique culturelle est interrompue par la Seconde Guerre mondiale et la mort de Roosevelt. La WPA favorisa le sentiment communautaire chez les artistes américains. Les principaux peintres de cette période sont Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, Grant Wood, Reginald Marsh, Jack Levine.
Les œuvres des années 1930 s’intéressent aux problèmes sociaux et au sort des plus démunis. Le réalisme social (ou American Scene Painting) se développa durant cette période avec des artistes comme Ben Shahn, qui se fit connaître par ses tempera en faveur des anarchistes Sacco et Vanzetti réalisées en 1932. Réalisme social et activisme de gauche sont caractéristiques de son œuvre et de sa pensée politique. Jacob Lawrence s’intéresse au sort des Afro-Américains.
Le régionalisme désigne un mouvement figuratif américain formé en réaction contre l’internationalisme de l’art abstrait et l’influence de l’art Européen, qui domina dans les programmes d’aide sociale (décoration murale de bâtiments publics, par exemple). Il évoque les thèmes de la vie quotidienne de la campagne ou de la petite ville américaine. American Gothic de Grant Wood (1930) en est l’œuvre la plus célèbre et reflète les valeurs du Midwest. La toile est devenue une icône de la nation américaine. On rattache aussi son œuvre au réalisme magique qui décrit précisément le réel tout en introduisant des objets ou des situations insolites (Andrew Wyeth, George Tooker, Ivan Albright, O Louis Guglielmi). Thomas Hart Benton est connu pour son style fluide et ses toiles représentant des scènes de la vie quotidienne du Midwest. Il part pour Paris en 1909 afin de parfaire sa formation artistique à l’Académie Julian et rencontre d’autres artistes nord-américains tels que Diego Rivera et Stanton Macdonald-Wright. En 1935, il part enseigner au Kansas City Art Institute (en) à Kansas City (Missouri). Là, il peint des scènes rurales et agricoles. Il fut aussi l’un des enseignants du célèbre peintre Jackson Pollock au sein de l’Art Students League de New York dans les années 1930.
Pendant la Grande dépression des années 1930, le régionalisme qui domina dans les programmes d’aide sociale. Il donna lieu à la décoration murale des bâtiments publics. Par exemple, Georgia O’Keeffee (1887-1986) remporte en 1932 le concours pour peindre les murs du Radio City Hall à New York.

Après la Première Guerre mondiale, l’achèvement du Santa Fe Railroad permit aussi à certains artistes américains, comme Georgia O’Keeffe, Alfred Stieglitz et Andrew Dasburg, de découvrir le Nouveau-Mexique, Santa Fe et, surtout, Taos où ils sont reçus par Mabel Dodge Luhan, une riche héritière de Buffalo, qui y entretient une véritable colonie artistique. Là, ils vont peindre les paysages caractéristiques, notamment les églises en adobe, et les Amérindiens. A partir des années 50, Eric Sloane, paysagiste et auteur d’ouvrages illustrés sur l’histoire culturelle et le folklore américains, s’installe une partie de l’année à Taos.

À partir de 1933, les États-Unis accueillent des artistes ayant fui l’Allemagne nazie : Hans Hofmann ou Josef Albers, qui enseigna au Bauhaus de 1923 à 1933 avant de migrer aux États-Unis et est considéré comme un des initiateurs de l’art optique ou « Op art ». Entre 1939 et 1942, Marc Chagall, Max Ernst, Fernand Léger, Piet Mondrian, Yves Tanguy, Roberto Matta, André Masson et André Breton émigrent à leur tour. Entre 1940 et 1948, Salvador Dali réside aux États-Unis où il connaît un grand succès commercial. Yves Tanguy s’y installe définitivement, obtient la nationalité Américaine et épouse Kay Sage, une peintre américaine qui peint des paysages géométriques et surréalistes. Mais en réalité, si l’on met de côté Matta, les artistes européens eurent peu de contact avec leurs homologues américains – même s’ils continuaient à les inspirer, comme par exemple Miró que l’on peut retrouver en germe dans les peintures abstraites d’Arshile Gorky ou chez William Baziotes, mais également Picasso (chez Byron Browne), Matisse (chez Walt Kuhn), Fernand Léger (chez L.K. Morris) et le surréalisme (chez Man Ray, Kay Sage, Gertrude Abercrombie ou Dorothea Tanning).

L’expressionnisme abstrait

Après la Seconde Guerre mondiale, les conditions économiques, politiques et artistiques suscitent une nouvelle manière de peindre, de voir et de donner à voir aux États-Unis. Après des années de crise, l’économie américaine repart et New York devient le centre majeur de l’avant-garde. Avec le début de la guerre froide, la peinture américaine représente pour le gouvernement une arme culturelle exportable.
L’expressionnisme abstrait apparaît en 1948, au cours d’une exposition à New York, financée par des fonds publics. Cet art qui se voulait avant-gardiste, cosmopolite et apolitique fait se déplacer le cœur de l’art moderne de Paris à New York. Cependant, il suscite des débats au sein de la classe politique américaine. Les Républicains attaquent violemment ce courant et l’accusent d’être communiste. Au Congrès, ils dénoncent en outre les financements fédéraux qui sont attribués aux peintres expressionnistes. Le début des années 1950 voit le renforcement de cette opposition à cause du maccarthisme, les artistes soupçonnés de sympathies communistes deviennent l’objet d’enquêtes (« chasse aux sorcières »). Pourtant, la période est aussi marquée par le soutien du MoMA de New York, lui-même financé par la fondation Rockefeller. En 1952, le musée organise même un programme international de diffusion mondiale de l’expressionnisme abstrait. L’exposition The New American Painting n’a pas d’autre but.

L’expressionnisme abstrait s’impose avec une nouvelle génération d’artistes vivant à New York d’où le nom d’« école de New York ». Il se caractérise par des toiles immenses, souvent entièrement peintes (all-over), sans subdivisions : chaque coup de pinceau annule le précédent et le rapport de celui-ci avec la surface du fond. Procédé qui conduit à une répartition plus ou moins uniforme des éléments picturaux sur la totalité de la surface du tableau qui semble se prolonger au dela des bords, éliminant ainsi le problème du champ. Il met en valeur la matière et la couleur utilisée comme matière. Il se divise en deux courants principaux : l’Action painting et le Colorfield painting.
Les peintres de l’Action painting produisent de façon violente, avec des gestes rapides voire spontanés. Il est principalement incarné par Jackson Pollock, avec la mise au point en 1947 de la technique du dripping, consistant à faire dégouliner de la peinture sur de grandes toiles disposées au sol ou au mur. Pollock employait des outils non conventionnels pour peindre (couteaux, truelle, baton, seringue). De Kooning ou Franz Kline font partie de ce même mouvement.
Le Colorfield painting (« champs colorés ») désigne la peinture de Mark Rothko, de Clyfford Still ou de Barnett Newman. Rothko figure de larges bandes de couleurs pures dans de grands toiles qui invitent à la contemplation ou la méditation. Il voulait un art poignant et universel. Ces artistes sont proches du minimalisme.
Helen Frankenthaler eut également une grande influence sur toute une génération de peintres. En effet, après avoir rendu visite à Pollock en 1951, elle fut sans doute le premier artiste à saisir l’importance de ce qu’elle voyait, non pas tant au niveau des œuvres elles-mêmes, que de la façon nouvelle de travailler : par terre, sans pinceau et sur des toiles non préparées. En effet, les toiles, sans apprêt, s’imbibent de la peinture qui se comporte alors un peu comme de l’aquarelle – la figure et le support se confondent. Elle pouvait également découper ses toiles et les recadrer a posteriori. Son exemple inspira aussi bien Morris Louis que Kenneth Noland ou Sam Francis. Surtout, elle servit de pont, comme le fit remarquer Morris Louis, « entre Pollock et ce qui est possible », c’est à dire ce qui, dans la manière de Pollock, était réutilisable sans refaire la même chose.
L’œuvre de Robert Rauschenberg favorisa le passage de l’expressionnisme abstrait au Pop Art avec ses combine paintings. Son approche fut parfois qualifiée de « Néo-Dada ». Dans les années 1950, il s’installa à New York où il exposa ses monochromes. Il fit la connaissance de Jasper Johns, qui travaillait dans un atelier situé dans le même immeuble sur Pearl Street. Puis il se lança dans les collages sur des toiles expressionnistes appelés « Combine Paintings ». Dans les années 1960, Rauschenberg explora l’emploi du métal comme support pour la peinture, l’émail et les images sérigraphiées. À partir de 1962, les peintures de Rauschenberg commencèrent à intégrer non plus seulement des objets trouvés, mais aussi des images – transférant des photographies sur des toiles au moyen de la sérigraphie. Ce procédé permet à Rauschenberg d’interroger le principe de la reproductibilité de l’œuvre et de ses conséquences.

Le Pop Art

Le terme « Pop Art » (abréviation de « popular art ») est né dans les années 1950 au Royaume-Uni et dans les années 1960 aux États-Unis, en réaction à l’expressionnisme abstrait jugé trop élitiste. Il puise ses origines dans le dadaïsme et dans l’œuvre de Marcel Duchamp. Jasper Johns et Robert Rauschenberg sont considérés comme des précurseurs du pop art. Ce mouvement artistique s’intéresse à la société de consommation et aux déformations qu’elle engendre dans notre comportement au quotidien. C’est à partir de ce principe que les artistes américains mettent en évidence l’influence que peut avoir la publicité, les magazines, les bandes dessinées, les affiches et la télévision sur les décisions des consommateurs. L’accueil est très bon dès les débuts du mouvement, car le pop art est a priori simple et accessible ; il semble remettre en cause le matérialisme. Les procédés utilisés par les artistes étaient souvent des nouveaux produits qui sortaient tout juste de cette société de consommation : acrylique, sérigraphie, etc. Les couleurs sont vives et décalées par rapport à la réalité. Au-delà de la peinture, le pop art a usé des techniques picturales qui n’étaient auparavant pas considérées comme proprement artistiques, mais industrielles. Ce mouvement a perturbé le monde artistique d’autres manières, par exemple à travers la remise en cause du principe d’unicité d’une œuvre d’art. Le pop art utilise des symboles populaires, qui marquent l’inconscient dès l’enfance dans un but de désacralisation de l’œuvre d’art qui auparavant était réservée à une élite et qui ne couvrait que des sujets dit « importants ». Il représente des objets de la société consommation et de la culture populaire modifiés par la couleur, le format, la répétition ou encore intégrés au tableau par des collages.
Andy Warhol est considéré comme l’un des chefs de file du pop art. Il représenta des marques, des personnalités médiatiques (Marilyn Monroe (1962), Liz Taylor, Elvis Presley, Jackie Kennedy). Il reproduisait ses œuvres par centaines, parfois même par milliers, ce qui heurtait les idées classiques attribuant à une œuvre sa valeur car elle est unique. Il utilisa la sérigraphie pour figurer des bouteilles de Coca-Cola, des portraits de Marilyn Monroe, des boîtes de soupe Campbell (Campbell’s Soup Cans, 1962). Mais il réalisa aussi une série d’œuvres traitant de sujet plus dramatiques, comme les Chaises électriques et les Accidents de la route.
Les toiles de Roy Lichtenstein s’inspirent fortement de la publicité et de l’imagerie populaire de son époque, ainsi que des « comics » (bandes-dessinées). Il décrira lui-même son style comme étant « aussi artificiel que possible ». Il mit en valeur des icônes symboliques de l’American Way of Life comme le hot dog. Tom Wesselmann se distingua par ses grands nus féminins (Great American nude) et ses natures mortes (Still life), réalisées à partir de collages d’images découpées dans des magazines et d’objets trouvés. Jim Dine refusait d’être assimilé au pop art bien qu’il aime représenter des objets du quotidien. Souvent très colorées, ses toiles utilisent la technique du fondu (contours estompés) et des séries, avec une infinité de variations notamment dans les nuances chromatiques. Le motif du crâne, présent comme un rappel dans les toiles au milieu de nombreux objets banals et usuels du monde contemporain, renoue avec la tradition de la nature morte. James Rosenquist juxtapose des images sans rapport apparent, et ne respecte pas les rapports d’échelle entre les objets.

Le Minimalisme

L’Art minimal est contemporain du Pop Art mais choisit l’abstraction, le dépouillement, l’économie de moyens et la pureté. Héritier du constructivisme, ce style est un prolongement des recherches de Joseph Albers. Le minimalisme invite le spectateur à la méditation et se rapproche du zen. Il exprime les valeurs américaines fondamentales (le puritanisme des origines), de pragmatisme et de matérialisme dans une période de forte croissance économique. En réaction aux tableaux extrêmement colorés et aux objets quotidiens élevés au rang d’œuvres d’art par les artistes du pop art, les œuvres minimalistes se composent généralement de deux ou trois couleurs et de formes basiques : ronds, carrés, lignes droites, etc. La simplicité est primordiale et il n’existe aucune représentation subjective derrière le minimalisme ; il est dénué de toute symbolique et ne cherche à jouer que sur les formes et les couleurs en évitant l’émotion au sens littéral du terme : un art dénué de tous sentiments subjectifs et objectifs.
Robert Ryman s’illustre avec ses Charter series, des monochromes essentiellement blancs. Les autres peintres du minimalisme américain sont Ad Reinhardt, Ellsworth Kelly ou Frank Stella. Ce dernier est célèbre pour ses toiles souvent gigantesques et découpées en fonction de la forme représentée. Sol LeWitt a produit des dessins simples parfois tracés directement sur les murs du lieu d’exposition (Wall paintings). Mais le minimalisme inspira également des plasticiens et des scultpeurs.

Pluralisme de la fin du XXe siècle

La peinture américaine des années 1970 et 1980 se caractérise par une grande variété de styles et de méthodes.
L’école de New York connaît alors un déclin relatif. La période est notamment marquée par le retour en force de la figuration et du réalisme. À la suite de Milton Avery, considéré par certains comme le « Matisse américain », ou de Richard Diebenkorn, qui oscille tout le temps entre figuration et abstraction (il fit partie du Bay Area Figurative Movement, un mouvement né à San Francisco en faveur d’un retour à la figuration en peinture, tout en ayant débuté comme peintre expressionniste abstrait), on trouve des artistes aussi divers que Philip Pearlstein, Sylvia Sleigh, Larry Rivers, Alfred Leslie ou Andrew Wyeth, l’un des artiste américain les plus renommé de la seconde moitié du XXe siècle.

Dès la fin des années 1960, Chuck Close, Malcolm Morley, Audrey Flack, Don Eddy, Richard Estes, David Parrish s’essayent à l’hyperréalisme et produisent une peinture du quotidien proche du trompe l’œil. Chuck Close propose de gigantesques dessins de personnages patibulaires. Son premier tableau majeur, Big Nude, mesurait 3 mètres de haut sur 6,5 de large. S’il a d’abord visé à la reproduction photoréaliste des visages, il expérimente depuis un certain temps avec la pixellisation. Don Eddy et John Salt s’intéressent aux automobiles, alors que David Parrish représente des motos (Motorcycle, 1971). Richard Estes (né en 1936) se distingue par l’aspect baroque et volontairement virtuose de ses compositions, jouant sur les reflets de toutes sortes et la fragmentation géométrique de l’espace (vues de vitrines, de cabines téléphoniques…).
Les peintres new image (l’équivalent de la Figuration Libre en France) tels que Jennifer Bartlett, Susan Rothenberg ou Neil Jenney font également renaître la figuration, inspirés notamment par Philip Guston, précurseur dont l’influence au sein de la jeune peinture new yorkaise et américaine n’a cessé de grandir depuis sa mort en 1980. Ancien camarade de Pollock, il fut dans les années 50 un expressionniste abstrait de l’École de New York, avant de retourner à la figuration, ce que les critiques de l’époque ne lui pardonnèrent pas, l’accusant d’avoir rompu avec la tradition moderniste – seuls De Kooning (« Tu sais quel est ton sujet : c’est la liberté ! ») et un cercle de proches le soutenant dans cette évolution. Ses œuvres des années 70 sont aujourd’hui reconnues et largement montrées dans les collections et expositions d’art contemporain et de nombreuses rétrospectives lui ont été consacrées depuis les années 90, entre autres à Paris au Centre Pompidou, à Londres à la Royal Academy ou au SFMOMA de San Francisco.
Le néo-expressionnisme est un style de peinture contemporain qui a émergé vers la fin des années 1970 et a dominé le marché de l’art jusqu’au milieu des années 1980. Lié à l’abstraction lyrique américaine, il s’est développé en en réaction contre l’art conceptuel et minimaliste des années 1970. Les Néo-expressionnistes sont revenus à la peinture d’objets reconnaissables, tels que le corps humain, en adoptant un style violemment émotif, en utilisant des couleurs vives et des harmonies de couleur. Ils utilisent aussi un dessin cru de style bande dessinée pour provoquer. Julian Schnabel, Ed Paschke, Eric Fischl ou même Elisabeth Peyton appartiennent à cette tendance.
Le Bad Painting emprunte aux arts de la rue, (graffitis, pochoirs, affiches…) et s’inspire de cultures et idéologies marginales, (punk, rock, afro-américain, hispano-américain…). Volontairement sale et négligé, il est sur la lignée de la Figuration Libre et libérée. Jean-Michel Basquiat et Keith Haring en sont les principaux représentants. Jean-Michel Basquiat, peintre New Yorkais d’origine haïtienne, commence comme artiste de rue peignant des graffitis, et devient ensuite un artiste d’avant-garde très populaire et pionnier de la mouvance dite « underground ». Son style est très original, nerveux, violent et énergique. Il rencontre Andy Warhol et les deux hommes se lient d’amitié. Il finit par s’installer dans son immeuble sur Great Jones Street. Ils ont peint de nombreuses toiles « à deux mains » avant de mourir à un an d’intervalle.

La galerie

Voici donc le résultat de mes (longues mais passionnantes) recherches : 110 ans de peinture (moderne) américaine, en 110 tableaux et 110 peintres, dont 15 femmes – comme elles sont peu nombreuses, voici leurs noms : Mary Cassatt, Georgia O’Keeffe, Mabel Alvarez, Kay Sage, Gertrude Abercrombie, Helen Frankenthaler, Lee Krasner (qui fut la femme de Jackson Pollock), Sylvia Sleigh, Joan Brown, Loïs Mailou Jones, Joan Mitchell, Elisabeth Peyton, Susan Rothenberg, Janet Fish et Joan Semmel.
Bon voyage…

Balthus

Balthasar Kłossowski (de Rola), dit « Balthus » (Paris, 29 février 1908 – Rossinière, Suisse, 18 février 2001) est un peintre figuratif français d’origine polonaise. Il est le frère de l’écrivain Pierre Klossowski.
« La meilleure façon de commencer est de dire : Balthus est un peintre dont on ne sait rien. Et maintenant, regardons les peintures », telle est la réponse laconique que le peintre adresse à la Tate Gallery, qui, organisant une exposition de ses œuvres, souhaitait également agrémenter le catalogue de quelques éléments biographiques.
Le Roi des chats – titre d’un de ses autoportraits – a en effet toujours souhaité s’entourer d’une aura de mystère, ce qui a sans aucun doute contribué à occulter sa personnalité et son œuvre aux yeux du grand public. Rare et discret, il l’est en effet dès sa naissance, un 29 février ; un anniversaire qui fait aussi partie de la « légende Balthus ». Balthus naît à Paris, mais sa famille, du fait de ses origines, se réfugie en Suisse lors de la Première Guerre mondiale. Ses parents se séparent peu après et Balthus passe son enfance avec son frère Pierre dans la région de Genève, près de leur mère. Celle-ci rencontre Rainer Maria Rilke alors que le jeune Balthasar Klossowski a 11 ans. Le garçon publie son premier livre de dessins, Mitsou, sous l’impulsion de ce mentor, lorsqu’il a quatorze ans. Durant son adolescence, il rencontre les nombreuses relations de sa mère et de Rilke qui viennent lui rendre visite : André Gide, Maurice Denis, Pierre Bonnard.
De retour à Paris en 1924, il y suit l’enseignement de Bonnard et de Vlaminck.
Il expose en 1934 une série de tableaux mettant en avant des jeunes filles à la pose équivoque, thème qui fera sa célébrité.
En 1936, il s’installe Cour de Rohan (quartier de Saint-Germain-des-Prés) où il résidera plusieurs années. Il se marie en 1937 avec Antoinette de Watteville (1912-1997), qui lui sert de modèle dans plusieurs toiles, dont La Toilette (1933, Centre Pompidou, Paris) ou La montagne, 1936.
En 1961, Balthus est nommé directeur de l’Académie de France à Rome, à la Villa Médicis, par André Malraux. Setsuko Idata, jeune étudiante japonaise dont il est amoureux, l’y rejoint. Elle lui sert à son tour de modèle dans plusieurs tableaux dont La Chambre turque (1963-66, Paris, Centre Georges Pompidou). Il l’épouse en 1967 au cours d’un voyage au Japon.

Son œuvre peinte est relativement peu abondante puisqu’on ne compte qu’environ 300 peintures, dont beaucoup ne sont pas datées. Balthus est un artiste méticuleux, certains tableaux nécessitant plusieurs années pour être achevés et après avoir fait de nombreuses études préparatoires.
Il est resté célèbre pour ses tableaux de jeunes filles nubiles, souvent peintes dans des poses ambiguës, jouant sur l’idée de l’innocence perdue à l’adolescence. Il est néanmoins dommage que ces quelques tableaux aient laissé dans l’ombre le reste de son œuvre, pourtant beaucoup plus intéressante, avec des tableaux comme Les joueurs de carte (1948), mon tableau préféré de Balthus (visible ici). Et être un artiste figuratif à une époque où l’abstraction était reine ne l’aida pas non plus (Bernard Buffet connut, en France, le même ostracisme)…

Rémi Blanchard

Rémi Blanchard, né en 1958 à Nantes et mort à Paris en 1993, est un peintre français. Membre de la Figuration libre, premier mouvement en France à avoir réconcilié l’art contemporain et le grand public, il fait partie des artistes de la même génération que Keith Haring, Jean-Michel Basquiat ou Robert Combas.

Issu d’une famille nombreuse (neuvième d’une famille de onze enfants), baigné dans un milieu catholique ouvrier, Rémi Blanchard passe son enfance entre Nantes et la Vendée. Il se lie rapidement d’une amitié admirative avec le critique et romancier Bernard Lamarche-Vadel, qu’il côtoie en tant que professeur aux Beaux-Arts de Quimper. Celui-ci le fait venir à Paris en 1980 et le montre dans l’exposition « Finir en beauté », qu’il organise dans son loft de la rue Fondary (Paris XVe) en 1981. Si la liste des artistes retenus n’est pas suffisamment cohérente pour définir une école patentée, se dégagent pourtant des personnalités telles que Robert Combas, Hervé Di Rosa, François Boisrond et, donc, Rémi Blanchard, taiseux et perpétuellement tombé de la lune. Rejetant l’enseignement minimaliste et peu incarné des écoles d’alors, ces artistes vont bousculer l’iconographie réaliste… Un temps aussi célèbres que des pop stars, ils exposent partout en France, aux États-Unis et ailleurs : à New York, pour « Statements New York 82. Leading contempory Artists from France » et chez Holly Solomon (1982) ; à Nice pour « L’Air du Temps. Figuration Libre en France », organisée par Marc Sanchez et Ben, qui lance véritablement l’appellation Figuration libre (1982) ; à l’Espace Lyonnais d’Art Contemporain (1983) ; au Groninger Museum pour une Importante exposition « Blanchard, Boisrond, Combas, Di Rosa » (1983) ; au Musée d’art moderne de la Ville de Paris (« 5/5 : Figuration libre, France/USA », avec Keith Haring et Jean-Michel Basquiat, entre autres – 1984)…
De 1982 à 1993, Rémi Blanchard expose et séjourne régulièrement à San Francisco (influences de Kerouac, des Beatniks, …) et au Japon (deux de ses dernières compagnes et muses sont japonaises). Lauréat d’une bourse « Villa Médicis hors les murs », il séjourne également huit mois à New York en 1985, à l’atelier PSI où il réalise notamment de grands formats sur toiles libres.

Toutefois, l’œuvre de Rémi Blanchard occupe une place à part, tant son iconographie diffère de celle de ses amis, surtout urbaine, portée sur la bande dessinée, le graffiti, le rock, les mass-média. Lui écarte toute violence pour s’attacher au registre des contes et légendes. Avec ses figures, des bêtes souvent, mais aussi beaucoup de personnages, toujours stylisées et dessinées au gros trait noir, avec ses couleurs vives et franches, le monde imaginaire de Blanchard affiche un côté naïf (qu’il revendiquait) et enfantin. C’est l’idée de « nomadisme » qui caractérise son éthique et son esthétique. Étrangement, la ville y est absente. Au mieux, elle offre ses fenêtres comme autant de regards ouverts sur l’ailleurs. Tout comme celle de Miró, l’œuvre de Rémi Blanchard est celle d’un peintre comme celle d’un poète. Ludique, poétique et touchante.

Si sa production fut assez importante, il n’en reste au final qu’une partie : le 10 février 1990, un incendie ravage l’un des deux entrepôts situé le long du canal de l’Ourcq à Paris XIXe, où Rémi Blanchard et d’autres artistes ont leur atelier. Il assiste impuissant au brasier dans lequel il perd un nombre important de ses oeuvres, toutes ses archives, ainsi que son chat, qu’il avait souvent représenté ; une perte qui le bouleverse. Il meurt trois ans plus tard, d’une overdose, alors qu’il rentrait d’un séjour au Japon. Il avait 34 ans.
Présidée par l’une de ses soeurs et sise dans la poterie de l’un de ses frères, « Le Méjou-Roz » à Ploénour-Lanvern (près de Quimper), l’association des amis de Rémi Blanchard tente depuis une dizaine d’années de recenser ses tableaux, qui seraient au nombre de quatre ou cinq cents.

Bernard Cathelin

Bernard Cathelin, peintre et voyageur, nait à Paris en 1919. Il suit des études classiques aux lycées Carnot et Janson-de-Sailly de Paris, puis au lycée Emile Loubet de Valence. En 1939, il s’engage volontairement et devient élève-pilote.
Après la guerre, en 1945, il devient élève à l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris, puis, de 1947 à 1953, professeur l’atelier Colarossi de préparation au concours d’entrée à cette même école.
Il reporte ensuite plusieurs prix : prix Blumenthal en 1950 ; prix Emile Lowe en 1953 ; prix Othon Friesz en 1958. Tounjours en 1958, le New York Herald Tribune lui consacre la couverture de son supplément du dimanche.
De 1962 à 1982, Bernard Cathelin voyage énormément : Pérou, Nicaragua, Equateur, Brésil, Mexique, Guatemala, Venezuela, URSS, Cambodge, Ceylan, Inde, Birmanie, Népal, Tahiti, Italie, Antigua, Saint-Martin et, en 1980, au Japon, pays dont Bernard Cathelin dit qu’il « est le pays qui m’a le plus enrichi, que se soit du point de vue formel ou du point de vue spirituel ». La venue de Cathelin au Japon a d’ailleurs développé son inspiration. L’artiste a apprécié certains sentiments japonais comme le recueillement, l’intimité, ou la sobriété. Il y a peint certainement ses plus beaux tableaux, notamment sur la Villa impériale de Katsura au printemps (voir ici ou ci-dessus), des œuvres aux grands aplats géométriques et poétiques qui ne sont pas sans rappeler Nicolas de Staël. Sa peinture est d’ailleurs particulièrement appréciée au « pays du soleil levant ».

Bernard Cathelin a de fortes attaches dans la Drôme où ses racines maternelles le ramènent tous les étés dans la propriété familiale des Rebattières, près de Valence. Il doit à sa mère son envie de peindre, notamment les bouquets : « Il y avait toujours dans notre maison une telle profusion de fleurs que j’ai eu très vite l’envie de les peindre, non comme des fleu-fleurs, mais comme des portraits ». Le résultat est tout simplement prodigieux !
Bernard Cathelin a été décoré de la légion d’honneur par le Président de la République, François Mitterrand, en 1995. Il s’est éteint le 17 avril 2004.

Jean Jansem

Jean Jansem (de son vrai nom Ohannes Semerdjian) est né en 1920 dans une famille arménienne de Seuleuze, en Turquie. Fuyant les persécutions, sa famille rejoint Salonique, en Grèce, alors qu’il n’a que deux ans. Il y passe son enfance, et arrive à Paris fin 1930. En 1934, il commence à suivre des cours du soir à Montparnasse (notamment à l’atelier de La Grande Chaumière), puis entre à l’Ecole des Arts Décoratifs de Paris, dont il sort diplômé en 1938. Il poursuit par un stage à l’Ecole Nationale des Beaux Arts, Paris.
En 1939, c’est sa première participation au Salon des Indépendants.
Dès 1957, sa carrière devient internationale. Il expose en Italie, en suisse, en Angleterre et surtout aux Etats-Unis (à la prestigieuse Galerie Hervé de New York).
En 1969, une rétrospective de ses œuvres a lieu à Tokyo, et son travail est, depuis, régulièrement présenté au Japon où il jouit d’une grande renommée. Deux musés portant son nom seront d’ailleurs ouverts dans ce pays, en 1992 et 1993, à Tokyo (Ginza Jansem Museum) et à Nagano (Azumino Jansem Museum).
En 1978, ouverture de la Galerie Matignon à Paris, dédiée à son œuvre.
Il est fait Chevalier des Arts et des Lettres en 1997 et Chevalier de la Légion d’Honneur en 2003.

S’inspirant à ses débuts de peintres comme Goya ou Pieter Brueghel, Jean Jansem a constamment navigué, au fil de sa longue carrière de plus de soixante ans, entre réalité et illusion, cherchant toujours l’expression la plus profonde. Marquée par des drames puissants (exode et massacre des arméniens, Deuxième Guerre Mondiale), son œuvre est riche, d’une grande cohérence, mais surtout profondément humaine. Car au-delà de ses indéniables talents de dessinateur, de coloriste et de sa maîtrise technique, c’est l’originalité de son regard qui interpelle le spectateur : derrière les visages diaphanes, les corps décharnés, les personnages de carnavals, de ferias, Jansem peint l’Homme et recherche sa vérité, qu’il exprime dans une forme picturale figurative et expressionniste qui n’est pas sans rappeler James Ensor.
« Ce qui m’intéresse c’est la vérité, celle de l’homme. La vérité de soi-même par rapport au monde. »
« Qu’est ce que la réalité ? La réalité est une chose indéfinissablement fluide. On a commencé à faire de la peinture pour rendre la réalité. Mais, au dix-neuvième siècle, ce fut la débandade pour les adeptes de cette théorie. La photographie restituait beaucoup mieux la réalité. Mais on peut exprimer des choses bien différentes avec la peinture. Par exemple, traduire émotionnellement la réalité du monde extérieur. [...] Quand il s’agit d’exprimer les choses au-delà de l’objectivité, le dessin et la peinture ne suivent plus aucune règle. Quand je vois une tête, ou seulement un mur, si j’ai envie de peindre c’est pour retrouver l’émotion que j’ai éprouvée en les regardant. Il faut que je rende le personnage au moins aussi fort qu’il m’est apparu. [...] Si je n’ai pas vu une chose, je ne la sens pas. Je ne pourrais pas faire de dessins sur la guerre, par exemple, si je n’y participais pas. Ce n’est pas l’imagination mais la chose vue qui est importante pour moi. »

La vie se transpose alors sur la toile de Jansem en comédie dramatique, parfois violente, tragique, parfois plus douce, mais toujours dans cette oscillation permanente entre réalisme et fiction. « Le langage de Jansem est ininterrompu depuis plus de soixante ans qu’il transmue dans le secret de son atelier, dessin et couleurs, matière et lumière, en un charnel enchantement. Dans son exigence d’une vraie représentation incarnée, Jansem élève sa peinture à hauteur d’homme. »

Jean Leppien

Jean Leppien est un peintre français d’origine allemande (Lünebourg, 1910 – Paris 1991).
Étudiant au Bauhaus en 1929, il suit notamment les cours élémentaires de Kandinsky. L’année suivante, il intègre l’académie fondée par Itten à Berlin où il se familiarise avec les techniques de la photographie, notamment aux côtés de Lazlo Moholy-Nagy.

C’est cette activité de photographe – entre autres – qu’il exerce pour survivre quand il rejoint Paris en 1933 à la suite de l’arrivée au pouvoir des nazis. Il y fait la connaissance de Suzanne Ney, une juive hongroise, elle-même photographe.
Il s’engage à la déclaration de la guerre auprès des armées françaises (dans la Légion étrangère). Démobilisé après la défaite, il rejoint Sorgues (près d’Avignon) où Suzanne, fuyant Paris, s’est réfugiée. Il l’épouse le 16 août 1941 – le maire ayant été suspendu par un décret de Pétain, ils sont unis, après intervention du préfet, par un responsable de délégation, antisémite virulent qui, pour marquer sa désapprobation, retire son écharpe tricolore. Ils vivent à Sorgues, plus ou moins dans la clandestinité – généreusement hébergés à la ferme des Confines -, jusqu’à la rafle du 21 mars 1944 « par mesure de sûreté concernant les juifs », où Suzanne, qui travaille en qualité d’ouvrière agricole chez Paul Avril à Châteauneuf-du-Pape, est arrêtée. Envoyée d’abord au camp de Drancy, elle fait partie du convoi 72 du 29 avril 1944 pour Auschwitz.
En voulant se renseigner sur son sort auprès de la Gestapo, Jean Leppien est arrêté à son tour, questionné durant une semaine puis envoyé en forteresse près de Nuremberg. Libéré par les alliés le 25 avril 1945, il est rapatrié à Paris, pensionnaire de l’hôtel Lutetia, où il retrouve Suzanne quelques jours plus tard, miraculeusement sortie vivante du camp d’Auschwitz.

Dans la France d’après-guerre, la peinture abstraite est en plein essor. Bien que toute son œuvre antérieure soit perdue – détruite par les nazis comme étant l’expression d’un art dégénéré -, il renoue avec la peinture et se lie d’amitié avec Alberto Magnelli, Jean Deyrolle, Michel Seuphor et Aurélie Nemours. Il adopte d’abord une facture à la fois géométrique et matiériste, fondée sur la rencontre sinueuse de grandes lignes courbes. Les formes se simplifient ensuite pour explorer des rectangles, puis des cercles qui donnent lieu à de nombreuses variations chromatiques. Ces cercles, concentriques ou centripètes, sont travaillés dans l’épaisseur d’une couche onctueuse de matière picturale qui confèrent à l’œuvre une présence lumineuse et charnelle.
Il expose au premier Salon des Réalités Nouvelles (1946) et devient membre du comité. Il y exposera jusqu’à sa mort.
En 1949, il s’installe dans le sud de la France (à Roquebrune Cap Martin) où il crée avec sa femme un commerce d’objets insolites dénommé « la Boutique de Roquebrune village ». Il est naturalisé français en 1953.
Ses œuvres sont représentées dans de nombreuses collections publiques françaises. Il s’est également fait un nom comme médiateur entre l’art allemand et l’art français.

Léopold Survage

Léopold Frédéric Léopoldovitch Stürzwage ou Léopold Survage est né le 31 juillet 1879 à Moscou et mort le 31 octobre 1968 à Paris.
Il perd sa mère alors qu’il n’a que sept ans. A la sortie du lycée il entre dans la fabrique de pianos de son père de 1897 à 1900 et devient apprenti facteur de pianos. Fasciné très jeune par le dessin et la peinture, il entre en 1901 à l’école des Beaux-Arts de Moscou chez Constantin Korovine et Leonid Pasternak,et visite la collection privée de Chtchoukine : Manet, Gauguin, les Impressionnistes, Matisse etc. ; il y rencontre Larionov, David Bourliouk. En 1903 il peint sa première œuvre connue à ce jour, Moscou, et participe à diverses expositions. Entretemps son père, ruiné, liquide ses affaires et, avec le peu d’argent qui lui reste, part pour Paris à l’été 1908.
Il entre comme facteur de pianos à la Maison Pleyel, et suit les cours de l’Académie Matisse et de l’Académie Colarossi. Premières expositions à partir de 1911 et, en 1913 il peint les principes du « Rythme coloré » (200 toiles) par lequel il cherche une analogie entre la forme visuelle colorée et la musique – et dont il cherche, en vain, à faire un film d’animation. Il montre ces toiles au Salon des Indépendants de 1914 et Appolinaire écrit un article sur le sujet.
Il fait partie du Groupe de Puteaux, constitué dès 1911 autour de Jacques Villon, Gleizes, Marcel Duchamp, Kupka, Léger, Picabia, afin de développer un autre cubisme. Puis, avec Archipenko et Albert Gleizes, il crée en octobre 1919 « La Section d’Or » dans le but de faire connaître au public les œuvres d’artistes novateurs de toutes nationalités en organisant des expositions accompagnées d’auditions musicales et littéraires dans tous les pays où résident des membres délégués chargés de la propagande. La première exposition a lieu à Paris en mars 192O, à la Galerie de la Boetie. Elle réunit des artistes comme Archipenko, Braque, Gleizes, Gontcharova, Larionoff, Léger, Survage, Jacques Villon… Les expositions suivantes ont lieu à Rotterdam, La Haye, Arnhem, Amsterdam, organisées par le journal « De Stijl », avec la participation de Mondrain et Van Doesburg. La Section d’or se rend ensuite à Anvers et Bruxelles, puis en Allemagne, avec des peintres comme Klee, Feininger, Campendonk…
Dès 1922, il travaille pour les Ballets russes de Serge de Diaghilev et exécute les décors et les costumes de l’Opéra-bouffe de Stravinski, Mavra. En 1927 un article de Samuel Putnam sur Survage dans le Chicago Evening Post précède une exposition particulière à Chicago aux Chester Johnson Galleries. C’est alors une carrière internationale qu’il poursuit en multipliant les expositions personnelles et collectives en France et à l’étranger. Il effectue également des dessins de tissus pour la maison Chanel. Il est naturalisé français en 1927 et est fait Officier de la Légion d’honneur en 1931.
Si certains ont voulu faire de Survage un second couteau du cubisme, il s’avère qu’il était un esprit libre et talentueux qui a su trouver sa propre voie, originale et élégante. A sa mort, en 1968, il laisse derrière lui une oeuvre riche de plus de mille toiles et d’innombrables dessins.

Maria Elena Vieira da Silva

Maria Elena Vieira da Silva est née à Lisbonne le 13 juin 1908 et morte à Paris le 6 mars 1992. Artiste peintre, elle appartient à l’École de Paris.
Son père meurt lorsqu’elle n’a que 2 ans mais sa mère encourage ses dispositions artistiques précoces : dès l’âge de onze ans, elle commence l’apprentissage du dessin et de la peinture à l’Académie des beaux-arts de Lisbonne.
Vieira da Silva s’installe en France en 1928 (« Du port de Lisbonne on partait autrefois pour découvrir le monde ; à Paris, on le découvre sur place à chaque instant »), où elle étudie la peinture avec Fernand Léger, la sculpture avec Antoine Bourdelle et la gravure avec Stanley Hayter et Johnny Friedlaender, tous des maîtres dans leur discipline. Elle se marie en 1930 avec le peintre d’origine hongroise Arpad Szenes. Cette même année, elle expose pour la première fois ses peintures à Paris. En 1932, perfectionniste, elle fréquente l’Atelier de Bissière à l’Académie Ranson. Ce dernier lui fait rencontrer Jeanne Bucher, la célèbre marchande de cette époque.
C’est au milieu des années 30 que Maria Helena Vieira da Silva élabore son style en forme de patchwork, inspiré des azulejos de son pays natal, qui la rendra mondialement célèbre. Après un bref séjour à Lisbonne et une période passée au Brésil durant la Seconde Guerre mondiale, elle vit et travaille à Paris le reste de sa vie. Elle crée aussi des tapisseries et des vitraux.
Vieira da Silva est naturalisée française en 1956 et reçoit le Grand Prix National des Arts du gouvernement français en 1966 (elle est la première femme à être ainsi distinguée). Elle est également nommée chevalier de la Légion d’honneur en 1979.

Bien que la Figuration narrative ne se soit jamais proclamée comme un mouvement – contrairement au Nouveau Réalisme, qui lui est de peu son aîné -, le moment-clé de son émergence est l’exposition Mythologies quotidiennes (titre emprunté à l’ouvrage de Roland Barthes). Présentée en juillet 1964 au Musée d’art moderne de la Ville de Paris, cette manifestation est organisée par le critique d’art Gérald Gassiot-Talabot et les peintres Bernard Rancillac et Hervé Télémaque en réaction au triomphe du Pop Art et de l’art américain qui envahissent la scène nationale et internationale artistique.
34 artistes y participent dont Arroyo, Berthelot, Bertini, Fahlström, Klasen, Monory, Rancillac, Recalcati, Saul, Télémaque, 34 artistes venant d’horizons esthétiques et géographiques différents. Si, comme leurs homologues américains, ils placent la société contemporaine et ses images au cœur de leur œuvre, ils en diffèrent par le refus d’un certain « art pour l’art ». Indifférents à l’Abstraction lyrique et gestuelle américaine, hostiles à l’Abstraction de l’École de Paris, ils se refusent à la froideur du Pop, comme l’énonce Gérald Gassiot-Talabot, « à la dérision statique du pop américain, ils opposent « tous » la précieuse mouvance de la vie ».
Quelques mois plus tard, en janvier 1965, un nouveau pas est franchi qui va marquer l’histoire de la Figuration narrative. Emile Aillaud, Eduardo Arroyo, Henri Cueco, Antonio Recalcati et Gérard Tisserand, qui se sont fixé pour objectif de faire de l’art un outil de transformation sociale, investissent et redonnent au Salon de la Jeune Peinture (pour sa seizième édition) une orientation militante. Dès lors, les expositions se succèdent. Les manifestations de groupes sous le drapeau « Figuration narrative » vont en particulier malmener le monde de l’art, ses icônes telles que Duchamp (Vivre et laisser mourir ou la fin tragique de Marcel Duchamp, 1965) et ses institutions.
Avec la fin des années 60, les plus militants de ces peintres s’engagent dans la politique, et particulièrement dans les événements de Mai 68 en collaborant à l’atelier populaire organisé par les étudiants de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-arts de Paris. « L’histoire de l’art rencontrait l’Histoire », comme a pu le dire récemment Gérard Fromanger à l’occasion de l’anniversaire de cette période où se libéraient toutes les énergies.

La Figuration narrative interroge l’actualité pour faire la chronique des heures et des jours. Face au problème classique de la représentation du temps par l’image, ce courant narratif amène des solutions qui tiennent compte des apports spécifiques du cinéma et de la bande dessinée. Les artistes prêtent leur attention aux scènes de la vie quotidienne et aux mythologies, politiques, sociales, morales qui en découlent ; ils réalisent des peintures figuratives, volontairement froides et distanciées, qui cherchent à maintenir continuellement en éveil notre rapport critique aux images de la réalité.

Gilles Aillaud

Gilles Aillaud est né le 5 juin 1928 à Paris et décédé le 24 mars 2005, toujours à Paris. Il est le fils de l’architecte.
Après avoir envisagé d’enseigner la philosophie, Gilles Aillaud opte pour la peinture. Théoricien d’une peinture militante, il est l’auteur du manifeste qui fixe la nouvelle orientation donnée en 1965 au Salon de la Jeune Peinture. « Il faut en finir, écrit-il, avec ces lois soi-disant fondamentales qui commandent la structure de l’œuvre d’art, et qui ne font en réalité que maintenir depuis des années la peinture dans le domaine rhétorique du langage des formes et des couleurs […]. Tant que ce travail de destruction ne sera pas complètement achevé, il ne sera pas possible d’élaborer l’unique et fondamentale question dont dépend l’avenir, c’est-à-dire la vie même de l’art : dans quelle mesure, si petite qu’elle soit, la peinture participe-t-elle au dévoilement historique de la vérité ? Quel est le pouvoir de l’art aujourd’hui dans le devenir du monde ? »
A partir de 1966, Gilles Aillaud n’expose plus que des animaux en cage dans des zoos. Est-il un peintre animalier ? Gilles Aillaud pratique le pastiche, mélange les exercices de style car il défend une figuration militante. Sa figuration se construit sur un langage analogique, un réalisme critique, interrogation d’une humanité.

Gérard Fromanger

Gérard Fromanger est né le 6 septembre 1939 à Jouars-Pontchartrain (Yvelines).
Très jeune, dès les années 1960, Gérard Fromanger s’impose comme une des personnalités de la scène artistique à Paris en participant à l’aventure de la Figuration Narrative et à l’invention d’une « Nouvelle Peinture d’Histoire ».
Dès 1965, Gérard Fromanger a participé aux activités du Salon de la Jeune Peinture. Il est l’un des fondateurs de l’Atelier populaire organisé aux Beaux-arts de Paris en mai 68, tourne des films-tracts avec Jean-Luc Godard, s’ouvre à l’aventure de l’art dans la cité.
L’artiste travaille toujours par série, parce que, dit-il, il n’y a pas assez d’un tableau pour tout dire.
Après avoir séjourné et travaillé en Normandie et en Camargue, en Chine et en Belgique, à Paris, Londres, Berlin, Tokyo, Abidjan et New York, il vit et travaille à Paris et à Sienne (Italie).

Jacques Monory

Jacques Monory, né le 25 juin 1934 à Paris, vit et travaille à Cachan (Val-de-Marne).
Après une formation de peintre-décorateur à l’école des Arts appliqués de Paris, Jacques Monory travaille dix ans chez l’éditeur d’art Robert Delpire, où il se trouve en contact avec l’univers de la photo.
Profondément préoccupé par la violence de la réalité quotidienne, les tableaux de Monory suggèrent des atmosphères lourdes et menaçantes. Les thèmes sont développés à travers des séries et les images qu’il utilise sont directement issues de la société contemporaine. Des emprunts photographiques et cinématographiques, le recours à la monochromie, la froideur de la touche et de la composition caractérisent un style singulier et engagé dans la représentation, et baignent souvent dans un monochrome bleu.

Bernard Rancillac

Bernard Rancillac est né le 29 août 1931 à Paris. Il vit et travaille à Malakoff (Hauts-de-Seine).
De 1959 à 1962, Rancillac étudie la gravure à l’Atelier 17 de S.W. Hayter. Entre-temps, en 1961, il obtient le Prix de peinture à la biennale de Paris.En 1963, autour de la galerie Fels se forme le premier noyau de la Nouvelle figuration. L’année suivante, avec Gassiot-Talabot, Hervé Télémaque et Foldes, il est co-organisateur de l’exposition « Mythologies quotidiennes ».
« A l’origine de toute création artistique, il faut une émotion. Très souvent, chez moi, elle est de nature politique. » Bernard Rancillac confronte alors la sacralité et la subjectivité de la peinture à la banalité et objectivité (supposée) de la photographie, le temps de l’art à celui de l’histoire. « C’est la photographie, dit-il, qui m’a amené à peindre la politique. […] Une sorte d’expérience, pas seulement politique. Je voulais m’opposer à cette idée que la peinture n’a rien à voir avec l’événement, avec l’Histoire, qu’elle est intemporelle, qu’elle doit rester pure, neutre. »
La peinture à l’acrylique, invention américaine introduite en Europe au milieu des années 60, répond aussi, par son temps de séchage très court, à cette urgence, celle de relater l’actualité.

Hervé Télémaque

Né le 5 novembre 1937 à Port-au-Prince (Haïti), Hervé Télémaque vit et travaille à Villejuif (Val-de-Marne) depuis 1961 et a obtenu la Nationalité française en 1985.
Hervé Télémaque découvre l’art américain à New York à la fin des années cinquante lorsqu’il est étudiant à l’Art student’s league de New York de 1957 à 1960. Quittant New York à cause du racisme ambiant, il arrive à Paris en 1961. « Après coup, je me rends compte que les Américains ne s’intéressent pas du tout à ce qui nous préoccupe ici, c’est-à-dire la politique. […] guerre d’Algérie, Vietnam, Jean-Paul Sartre, les positions intransigeantes des surréalistes sur la révolution, voilà la différence – d’importance – entre Paris et New York. […] ce qui m’intéresse, ce qui me frappe à Paris, c’est la rapidité du langage dans les arts dits commerciaux – comics, publicité, cinéma […]. »

Gérard Garouste est un peintre français né le 10 mars 1946 à Paris. Devenu, au cours des années 1980, l’un des peintres français les plus importants et reconnus internationalement, il vit et travaille à Marcilly-sur-Eure dans l’Eure, où il a fondé une association d’action éducative et sociale d’aide aux enfants par l’art nommée La Source.
Bon, quand on a dit ça, on n’a rien dit. Rien dit de ce peintre torturé et captivant, hors des courants et des modes artistiques – meilleur moyen de ne jamais passer de mode -, lecteur critique de la Bible, passionné par les mythes, les religions, ainsi que par les contes, légendes et grands récits initiatiques (l’Enfer de Dante, Don Quichotte). Rien dit de ses toiles énigmatiques qui ont remis à l’ordre du jour la notion de « sujet » dans la peinture, de ses personnages aux corps multiples et morcelés, de son sens de la couleur et de la composition.

Gérard Garouste vient de publier en association avec la journaliste Judith Perrignon une autobiographie, « L’intranquille », qui se lit comme un formidable roman. Un autoportrait particulièrement fort, sincère, bouleversant mais sans pathos, salué par une unanimité critique, et qui donne beaucoup de clés pour comprendre son œuvre. Il y parle notamment de son enfance, ou plus exactement de son éducation catholique et petit-bourgeois, et de son « salaud » de père (c’est lui qui le dit), antisémite ayant fait fortune pendant la guerre sur la spoliation des biens juifs – et qui écrivit à la date de l’arrivée des Allemands, en juin 40 : « Enfin libre ! » -, violent (jusqu’à menacer sa femme d’une arme parce qu’elle tenait une carafe du mauvais côté – souvenir qui a donné le tableau « Le coup de l’étrier », 2007), autoritaire et « psychopathe ». Entre eux, la pomme de discorde prend l’apparence, dans les tableaux de Garouste, d’un sous-main en cuir que son père lui a offert – sous-main, bien entendu, confisqué à des juifs (« Secret de famille », 2006 ou « Caved », 2007 – « Je continue d’apprendre l’hébreu et à tout entendre autrement. Il n’est pas dit dans la Bible : Honore ton père et ta mère, comme on nous l’a si bien appris. La racine du mot hébreu caved, qui signifie « honorer », est aussi celle du mot lourd. On peut donc entendre : Considère le poids de ton père et de ta mère dans ton histoire. »).
Heureusement, face à la dureté paternelle, Garouste aura des moments d’apaisement en Bourgogne, dans la maison de vignerons de son oncle Casso (également représenté dans une toile de 2007), bûcheron alcoolique mais sans qui, dit-il, il ne serait jamais devenu peintre, et de son épouse Eléo Il y a aussi les années de pensionnat à Montcel, où il rencontre Modiano et Jean-Michel Ribes, devenus amis indéfectibles…

« Il y a deux sortes d’individus dans la vie, les Classiques et les Indiens. Le Classique est un homme pétri par la norme, il n’inventera jamais rien, ne fera qu’obéir et suivre le mouvement en rêvant d’ascension sociale. C’est mon père. L’Indien est un intuitif, un insoumis, un créatif. C’est Casso, le bonheur loin des apparences. Mais l’extrême Indien court vers la folie. Je le sais pour avoir croisé quelques Apaches dans les hôpitaux psychiatriques. Ma voie était quelque part entre ces deux hommes, ces pôles contraires de mon enfance. Vaste espace où j’avançais, égaré. »

Alors qu’il a été expulsé de son lycée, sans même son Bac en poche, refusant de devenir vendeur de meubles et de prendre la succession de son père, il s’adonne sans compter au dessin et à la peinture, soutenu et encouragé par sa femme Élisabeth, fille de juifs polonais qu’il a rencontrée au lycée. Il entre à l’École des beaux-arts de Paris, de 1965 à 1972, dans l’atelier de Gustave Singier, un peintre abstrait. Mais Garouste veut faire du figuratif. Mais comment faire, après Picasso et la révolution de Marcel Duchamp ? Influencé par ses lectures (Dante, Cervantes…), ses recherches théologiques (pour comprendre l’antisémitisme de son père, il lit la Bible, apprend l’hébreu, lit la Torah – ce qui va l’amener à condamner le christianisme et ses déformations des textes originels), son goût pour la mythologie, les symboles, il va alors nager « à contre le courant » de l’avant-garde de l’époque « comme on remonte vers une source », se réappropriant les grands thèmes fondateurs de la peinture, pour les mettre à sa sauce, celle de sa propre histoire, de ses questionnements, de sa volonté d’expiation de la faute paternelle, de sa révolte contre les dogmes et les carcans idéologiques – en religion comme en art. Et faire taire les oracles – de Rodtchenko à Buren – qui prédisaient la mort de la peinture !

Dans ce livre, il parle également de ses internements en psychiatrie (maniaco-dépressif bi-polaire, il connaît sa première crise à 28 ans), montrant bien les ravages de ses accès délirants (comme lorsqu’il prend sa femme pour le diable et se réfugie, terrorisé, sous une couverture – « Messe noire », 2007), maniaques ou dépressifs, qui le privent de toute créativité pendant des mois ou des années, comme pour Virginia Woolf notamment. Mais comment exprimer la douleur indicible, supporter l’insoutenable si ce n’est en se réfugiant dans l’art et la folie ? Même si la seconde empêchait le premier de s’exprimer, sans doute l’a-t-elle aussi nourri, contribuant à ses œuvres « intranquilles ».

« J’ai trouvé au plus profond de moi, de ma honte, des choses que je pense universelles. J’ai démonté les textes et les catéchismes, j’ai voulu briser le moule qui a modelé et rendu passif notre regard, j’ai pris à bras le corps la religion, elle a envahi mes toiles, mes coups de folie qui bien souvent se sont terminés sur des parvis d’église ou de cathédrale (comme celle de Chartres – voir le tableau du même nom -, où il s’est mis à briser tous les cierges avant d’être interpellé et conduit à Saint-Anne). J’aurais pu l’ignorer, rejoindre les athées éclairés de ma génération, mais j’ai voulu prouver qu’elle se trompait, qu’elle avait fait des ravages dans la tête des hommes, à commencer par celle de mon père à qui j’aurais tant voulu parler.
J’ai peut-être fait une oeuvre en forme de circonstance atténuante. »

Une œuvre en tout cas forte, émouvante, troublante, passionnante, originale et profondément humaine. Une œuvre, à n’en pas douter, qui comptera. Gérard Garouste est un très grand artiste et, ce qui ne gâche rien, un homme bien.

Voici donc 110 ans de peinture (moderne) française, en 110 peintres et 110 tableaux. Bien évidemment, j’ai dû faire des choix, choix des artistes, choix des tableaux. Donc, même si j’ai essayé de mettre les peintres les plus importants, cette liste reste subjective et est tout autant le reflet de mes goûts qu’une tentative de synthèse d’un siècle (et un peu plus) de peinture hexagonale. Néanmoins, que de joyaux ! « La sieste » de Manguin, le « Nu » de Duchamp, les « Nympheas » de Monet, la « Femme allongée » d’Emilie Charmy, « Arlequin et Pierrot » de Derain, « L’autoportrait » de Valadon, le « Port de Bordeaux » de Lhote, « Configuration » de Arp, la « Chaise de cuisine » d’Estève, la « Partie de cartes » de Balthus (que j’aime ce tableau !), « L’atelier » de Vieira da Silva, « Nice » de Nicolas de Staël, la « Femme aux seins nus » de Buffet, la « Bataille du riz » d’Aillaud, « Le cercle rouge » de Fromanger, « Katsura au printemps » de Cathelin, « L’envol de l’oiseau rouge » de Blanchard, « Le fuite de Loth » de Jansem, « La mouche » de Garouste, « Vincent » de Bard (hommage à la « Paire de chaussures » peinte par Van Gogh en 1885 – comme une manière de boucler la boucle), et tous les autres, Redon, Vallotton, Bonnard, Crotti, Camoin, Atlan, Raysse, Monory, Alechinsky, Dubuffet, Leppien, etc.
A noter : la présence de 13 femmes. Ça n’est pas beaucoup, alors je vais les citer : Jacqueline Marval, Emilie Charmy, Marie Laurencin, Suzanne Valadon, Sonia Delaunay (ukrainienne naturalisée française), Maria Elena Vieira da Silva (portugaise naturalisée en 1956), Huguette Arthur Bertrand, Aurélie Nemours, Françoise Gilot (compagne de Picasso de 1944 à 1953 – elle peignait déjà avant de le rencontrer -, mère de deux de ses enfants, Claude et Paloma, et aujourd’hui citoyenne américaine, elle demeure une figure maîtresse dans le monde de l’art, créant le lien idéal entre l’Ecole de Paris des années quarante et cinquante, et la scène artistique contemporaine des Etats-Unis.), Francine van Hove, Catherine Lopes-Curval, Françoise Nielly et Geneviève Asse.
Allez, cette fois, je me tais.

Petit cours d’histoire

La peinture japonaise est un art ancien et raffiné, regroupant une grande variété de genres et de styles. Elle fut à certains moments une synthèse entre une esthétique originelle et une adaptation d’idées venues de l’extérieur. Le Yamato-e (images du Japon ancien) est considéré comme le style japonais traditionnel. Mais, à l’époque Meiji (1868-1912), avec l’ouverture du pays sur le monde, l’impact de l’art occidental sur le Japon fut immense (et inversement, d’ailleurs). En 1876, une École d’Art Technique (le Kobu Bijutsu Gakko) a même été spécialement créée afin que des conseillers étrangers embauchés par le gouvernement (tels l’artiste italien Antonio Fontanesi) apprennent aux artistes japonais (tels Asai Chū) les dernières techniques occidentales.
Seiki Kuroda sera lui aussi crucial pour le développement de la peinture de l’Ouest au Japon. C’est directement « à la source » qu’il apprend : en France où, ayant suivi son père diplomate, il découvre puis étudie la peinture à l’huile avec le peintre académique Raphaël Collin, de 1884 à 1893. À son retour au Japon, Kuroda prend la tête du département de la peinture occidentale à l’Académie des Beaux Arts à Tokyo, ce qui lui permet d’introduire les techniques picturales de l’enseignement de l’Ouest. Et sa position de fils de haut dignitaire lui permettra même de briser un tabou de taille en montrant, en 1895 à Kyoto, un tableau représentant un Nu.
Seiki Kuroda, Asai Chû, Eisaku Wada et Takeji Fujishima vont même être invités à exposer leurs œuvres lors de l’Exposition Universelle de Paris en 1900 (Kuroda y reçoit d’ailleurs la médaille d’argent pour son tryptique « Sagesse-impression-sentiment »). C’est pour eux un choc esthétique qui les marque profondément mais leur montre également tout ce qu’ils ont encore à apprendre – Asai Chû, dépité, décide même d’arrêter de peindre mais ouvre son école à Kyoto, sa ville natale, d’où sortirons deux artistes essentiels dans l’évolution et le rayonnement de l’école occidentale : Yasui Sôtarô et Umehara Ryûzaburo. C’est ainsi que, peu à peu, se crée une peinture japonaise occidentalisée, le yōga. Le mouvement est lancé.
Après la première guerre mondiale d’autres peintres japonais feront le voyage à Paris, ballotté dans le tourbillon des mouvements avant-gardistes : fauvisme, cubisme, surréalisme… Le plus connu est Tsuguharu Fujita (Léonard Foujita à partir de 1959), emblématique de l’Ecole de Paris. Mais il y eut aussi Yuzo Saeki, qui représenta les bidonvilles de Paris, Hanjirô Sakamoto et ses paysages très personnels, Zenzaburo Kojima, qui développa un style « décoratif » très proche de celui de Matisse, ou encore Taro Okamoto, qui s’émerveille à l’œuvre de Picasso, s’essaye à l’abstraction avant de rejoindre les surréalistes et finalement devenir le plus grand « muraliste » japonais. À leur retour, ils devront faire face à un problème propre aux peintres japonais : traduire l’identité japonaise au style occidental.

Face à cette invasion un mouvement « loyaliste » prit forme, tentant de défendre l’art traditionnel nippon. Cette tendance fut appelée nihonga, c’est-à-dire « image japonaise », par opposition au yōga, qui définissait l’art étranger. Chez nous, ce sont ces œuvres de style nihonga ou antérieures à la période Meiji (comme « La Grande vague de Kanagawa », peint en 1831 par Hokusai, ou les magnifiques estampes de Hiroshige) qui sont vraiment connues – grâce à des peintres européens comme Van Gogh ou Monet, qui en furent de grands collectionneurs. Du coup, quand on pense peinture japonaise, on pense naturellement « estampe » (« Ukiyo-e » en japonais). J’ai donc eu envie de voir ce que existait en dehors de ces « images d’Épinal », si j’ose dire. Aller voir du côté Yōga – même si le nihonga est resté très vivant, à travers notamment le mouvement Shin-Hanga (littéralement « Nouvelles Gravures » ou « Renouveau Pictural », florissant entre 1915 et 1942 avec Itō Shinsui et Hashiguchi Goyo entre autres) ; j’y consacrerais sans doute un article bientôt.

En route !

Me voici donc plongé jusqu’au cou dans la peinture japonaise moderne de 1900 à nos jours. Et, là encore, que de découvertes ! Et dans tous les styles ! Dans les paysages, les portraits, les nus ou les natures mortes. Dans le figuratif aussi bien que dans l’abstrait.
A propos d’abstrait, justement, connaissez-vous le « Gutai » ? Né en 1952, à l’initiative de Yoshihara Jirō, c’est un mouvement qui eut sensiblement le même impact sur l’art japonais que le « dripping » de Jackson Pollock (à partir de 1947). Dans les deux cas, c’est l’acte même de peindre qui devient un moyen d’expression. Entailler, déchirer, mettre en pièce : ce sont les méthodes des premières œuvres Gutai. Et si certaines œuvres utilisent encore un support bidimensionnel, la plupart d’entre elles échappent au cadre préétabli de la peinture ou de la sculpture, passant de « l’action painting » au « happening » (ainsi Murakami Saburo traversant une enfilade de cadres tendus de papiers), des performances reprises par exemple par les Nouveaux réalistes comme Yves Klein ou Niki de Saint-Phalle lors de ses Tirs…
Et le « Superflat », vous connaissez ? Peut-être pas, mais si je vous dis que son chantre est Takashi Murakami, l’homme qui parsème le monde de ses petites fleurs souriantes, là ça vous parle peut-être un peu plus. Pour faire simple, c’est un mouvement qui, à partir de la sous-culture manga, dénonce (tout en l’utilisant) la superficialité de la culture consumériste japonaise – une sorte de pop’art japonais. Dans le même ordre d’idée, on peut aussi parler de l’esthétique « Kawaii » (littéralement « mignon », « adorable »), qui s’adresse surtout aux jeunes, consistant notamment à créer de gentilles mascottes pour faire vendre tout et n’importe quoi.
Enfin bon, vous allez maintenant pouvoir voir tout ça par vous même…

La galerie

Voici donc le résultat de mes (longues mais passionnantes) recherches : 110 ans de peinture (moderne) japonaise, en 110 peintres et 110 tableaux. Banzaï !!!

Le Blaue Reiter avait pour but de donner un prolongement immédiat aux recherches pour l’émancipation de l’art, que les premières expositions de La Nouvelle association des artistes munichois (Neue Künstlervereinigung München, abrégé couramment en NKVM) – fondée en janvier 1909, avec Kandinsky comme président – avaient favorisées mais qui avaient effrayé les membres encore attachés à un certain conformisme. Le nom lui-même, reprenant le titre d’un tableau de Kandinsky exécuté en 1903, rend compte d’une volonté d’évasion par le lyrisme de la couleur, à laquelle Marc, comme Kandinsky, accorde tous les pouvoirs. La personnalité de ce dernier domine le Blaue Reiter et cette période correspond pour lui à une expérimentation décisive de l’Abstraction. Pour Marc et ses amis August Macke, Paul Klee, beaucoup plus jeunes, leur participation est une étape importante qui leur fait prendre conscience de leurs moyens et surtout d’un destin artistique désormais ouvert à toutes les tentatives. Les manifestations créatrices du Blaue Reiter ne dépassent pas 1913 mais cette brièveté est largement compensée par le renouvellement profond de la vision, théorique et pratique, qu’elles apportent.
Der blaue reiter est également un pont jeté entre Paris et Munich ; ainsi le groupe expose en février 1912, à la galerie Goltz de Munich, Picasso, Rousseau et Vlaminck, affirmant ainsi ses affinités électives et s’inscrivant de plain-pied dans la modernité. Robert Delaunay, lui, participe aux deux expositions de 1911 et 1912.

Mais, avec la Première Guerre mondiale, c’est déjà la fin de l’histoire du Blaue Reiter. Macke et Marc sont morts au combat ; Kandinsky menacé d’internement comme ennemi étranger, s’enfuit en Russie ; Münter, emportée par ses propres démons, erre en Europe. La réverbération finale arrive avec la fondation, en 1924, des « Quatre Bleus » : Kandinsky, Klee, Jawlensky et Feininger, lesquels étaient tous professeurs au Bauhaus de Weimar, et internationalement connus.

Vassily Kandinsky

Vassily Kandinsky, né à Moscou le 4 décembre 1866 et mort à Neuilly-sur-Seine le 13 décembre 1944, est un peintre russe et un théoricien de l’art.
Considéré comme l’un des artistes les plus importants du XXe siècle aux côtés notamment de Picasso et de Matisse, il est l’un des fondateurs de l’art abstrait : il est généralement considéré comme étant l’auteur de la première œuvre non figurative de l’histoire de l’art moderne, une aquarelle de 1910 qui sera dite « abstraite ». Certains historiens ou critiques d’art ont soupçonné Kandinsky d’avoir antidaté cette aquarelle pour s’assurer la paternité de l’abstraction sous prétexte qu’elle ressemble à une esquisse de sa Composition VII de 1932.
Kandinsky est né à Moscou mais il passe son enfance à Odessa. Il s’inscrit à l’Université de Moscou et choisit le droit et l’économie. Il décide de commencer des études de peinture (dessin d’après modèle, croquis et anatomie) à l’âge de 30 ans.
En 1896 il s’installe à Munich où il étudie à l’Académie des Beaux-Arts.
En 1909, il est nommé président de La Nouvelle association des artistes munichois (NKVM) et organise les expositions de 1909 et 1910 pour présenter le travail des fauvistes et des premiers cubistes. Dans le catalogue réalisé lors de la seconde exposition, il commença à introduire sa théorie de l’art qui s’acheva, deux ans plus tard, lors de la publication de son livre Du spirituel dans l’art et dans la peinture en particulier, qui paraît fin 1911. En 1912, après avoir donné sa démission de l’association (qui a refusé une de ses toiles, trop grande), il fonde, avec Franz Marc entre autres, Der Blaue Reiter. Le groupe se disperse avec la guerre où Macke et Marc perdent la vie.
Pour Kandinsky, la peinture devait s’étendre de la pesante réalité matérielle jusqu’à l’abstraction de la vision pure, avec la couleur comme moyen, d’où le développement d’une théorie complexe de la couleur. Dans La Peinture comme art pur, livre de 1913, il soutient que la peinture est déjà une réalité séparée, un monde en soi, une nouvelle forme d’être, qui agit sur le spectateur à travers la vue et qui provoque en lui de profondes expériences spirituelles.
Kandinsky retourne à Moscou en 1918 après la révolution russe. En conflit avec les théories officielles de l’art, il retourne en Allemagne en 1921. Il y enseigne au Bauhaus à partir de 1922 jusqu’à sa fermeture par les nazis en 1933. Il émigre alors en France et y vit le reste de sa vie, acquérant la nationalité française en 1939. Il s’éteint à Neuilly-sur-Seine en 1944, laissant derrière lui une œuvre abondante et essentielle.
Voici quelques œuvres correspondant à cette période.

Gabriele Münter

Gabriele Münter (1877 – 1962) est une peintre allemande du mouvement expressionniste. Elle fut l’une des représentantes majeures de l’avant-garde munichoise au début du XXe siècle en tant que membre du mouvement artistique du Blaue Reiter.
Gabriele Münter est née à Berlin de parents bourgeois qui ont soutenu sa vocation de peintre avant de mourir prématurément. Elle s’intéressa très tôt à l’art et suivit des cours particulier de dessin avant de fréquenter l’École d’art pour femmes de Düsseldorf à partir de 1897, son sexe lui interdisant d’entrer dans une académie des beaux-arts. Après un voyage de deux ans aux États-Unis, Gabriele déménagea à Munich en 1901, où, ne pouvant toujours pas entrer à l’académie des Beaux-Arts, elle fréquenta une école de peinture pour femmes, tout en se rendant aux cours de peinture de l’école de Vassily Kandinsky, la Phalange. Elle est son élève pendant un an, avant qu’il ne ferme l’école.
Gabriele Münter et Vassily Kandinsky affichent bientôt leur liaison et vivent ensemble, ce qui constitue en soi un acte de courage pour une jeune fille du début du XXe siècle. Les deux artistes vivent en couple jusqu’en 1917, et entreprennent de nombreux voyages en Tunisie, aux Pays-Bas, en Italie et en France. Lors de leur premier séjour à Paris en 1906/1907, Gabriele Münter découvre les œuvres de Henri Matisse et du fauvisme. Cette découverte va profondément bouleverser son style de peinture.
En 1909, elle achète une maison à Murnau am Staffelsee. Elle y passe ses étés avec Kandinsky, et y reçoit de nombreux artistes munichois d’avant-garde : Marianne von Werefkin, Alexej von Jawlensky. Plus tard, Franz Marc, August Macke et le compositeur Arnold Schönberg séjourneront aussi dans la « maison des Russes ».
Elle participe à la création de la NKVM, qu’elle quitte en 1911 avec Vassily Kandinsky, Franz Marc et Alfred Kubin. Ensemble, ils forment le noyau dur du groupe du Blaue Reiter. C’est lors d’une de leurs expositions communes que Gabriele Münter connaît son premier vrai succès artistique.
Pendant la Première Guerre mondiale, Vassily Kandinsky, devenu ennemi de la Patrie, quitte l’Allemagne et retourne en Russie. Gabriele Münter vit quant à elle en Scandinavie de 1915 à 1920, et rencontre Kandinsky une dernière fois à Stockholm avant que celui-ci ne rompe définitivement le contact en 1917. À partir de 1920, Gabriele Münter vit entre Cologne, Munich et Murnau. Les dépressions chroniques dont elle souffre l’éloignent de la peinture. En 1931, elle déménage à Murnau avec son deuxième compagnon, l’historien d’art Johannes Eichner. Là-bas, elle peint des natures mortes fleuries, mais aussi de nombreuses études abstraites à la peinture à l’huile.
En 1937, les nazis lui interdisent d’exposer, ce qui l’oblige à se retirer de la vie publique. De même, les œuvres de Vassily Kandinsky et des autres membres du Cavalier Bleu sont qualifiées d’art dégénéré par les nazis. Ce n’est que grâce à Gabriele Münter, qui cacha leurs œuvres dans le sous-sol de la maison de Murnau, que la plupart des œuvres de la période d’avant-guerre, si décisive et productive pour Kandinsky, survécurent.
La « maison des Russes » de Murnau a aujourd’hui été transformée en musée, où des œuvres personnelles de Gabriele Münter et de Wassily Kandinsky sont montrées

Franz Marc

Franz Marc, né le 8 février 1880 à Munich et mort le 4 mars 1916 à Braquis près de Verdun, est l’un des principaux représentants de l’expressionnisme allemand. Peintre animalier, graveur, pastelliste, aquarelliste, lithographe, écrivain, il est un des fondateur du groupe Der Blaue Reiter.
Franz Marc voyage à Paris en 1903 où il enrichit sa formation de la connaissance du postimpressionnisme et des nabis. Il s’intéresse, à partir de 1906, à la peinture d’animaux, dont il étudie l’anatomie à fond : toujours attiré vers une culture symboliste et fortement influencé par Gauguin, le peintre considère ce thème comme le plus apte à incarner une force vitale totalement incluse dans le grand flux naturel. En 1910, il fait la connaissance d’August Macke, qui lui révèle la force expressive de la couleur, et de Vasily Kandinsky, dont les idées mettent en valeur la théorie symbolique de la couleur qu’il est en train d’élaborer. Marc participe, avec Macke et Kandinsky, à la rédaction de l’Almanach du Blaue Reiter et, par la suite, à la fondation du groupe du même nom qui jouera un rôle important dans l’évolution de l’abstraction de l’art européen.
Puis en 1912, influencé par une exposition consacrée au futurisme italien et par les tableaux de Robert Delaunay, il se tourne vers l’abstraction, sa première œuvre entièrement de ce style étant composition I, peint en décembre 1913.
En 1914, il se porte comme volontaire sur le front où il travaille encore et toujours dans un petit carnet et se complaît dans le dessin abstrait. Il est touché par un éclat d’obus lors d’une chevauchée de reconnaissance et meurt en mars 1916 à Braquis, près de Verdun, sans avoir vraiment terminé son cheminement.

August Macke

August Macke, né le 3 janvier 1887 à Meschede (Rhénanie-du-Nord-Westphalie), mort le 26 septembre 1914 à Perthes-lès-Hurlus, est un peintre expressionniste allemand.
Formé à l’Académie de Düsseldorf, il se rend à Paris une première fois en 1907, puis il y séjourne en 1908 et 1910, découvrant, avec l’œuvre des nabis et de Matisse, les possibilités d’une utilisation autonome de la couleur. Sa rencontre avec le groupe et les idées du Blaue Reiter le trouve donc prêt à réaliser une transcription du réel en une joyeuse poésie de la vision totalement lyrique (L’orage, 1911). L’orphisme de Robert Delaunay et le futurisme confèrent à sa peinture un nouvel élan dynamique et lui permettent de figurer la vie dans une quantité insoupçonnée de réfractions et de réflexes lumineux mobiles (Personnages au lac bleu, 1913).
Le style de Macke combine la désinvolture de l’art impressionniste avec la logique formelle d’un Seurat. Son point de vue mondain plutôt que mystique, fait de lui un des peintres les plus romantiques de l’art allemand du XXe siècle. Ses paysages merveilleux avec figures étaient ses thèmes favoris.
Avec le temps, il se démarqua de Kandinsky, et critiqua la « peinture intellectuelle » de son ami Franz Marc, plus âgé que lui. Pour Macke, la sensualité de la couleur et l’harmonie des formes, était plus important que le spirituel dans l’art ; il restait fidèle à la beauté de ce monde. En 1914, quelques mois avant sa mort précoce sur le champ de bataille en Champagne, Macke enrichit sa peinture de l’expérience de la lumière méditerranéenne qu’il acquiert pendant un voyage en Tunisie avec Paul Klee ; un nouveau bonheur de la vision, une autre puissance lumineuse caractérisent les très belles aquarelles que l’artiste peint au cours de ce voyage (Kairouan, 1914).

Alexej von Jawlensky

Alexej von Jawlensky, né le 13 mars 1864 à Torjok (Russie) et mort le 15 mars 1941 à Wiesbaden (Allemagne), est un peintre russe expressionniste.
Militaire mais déjà très intéressé par la peinture, il rencontre en 1890, à Saint-Petersbourg, Ilya Repine, le grand peintre russe réaliste et romantique de l’époque. L’une des élèves de Repine est Marianne von Werefkin, fille du général commandant la forteresse Pierre et Paul et qui a déjà un certain nom comme peintre. Jawlensky quitte l’armée en 1896 avec le grade de capitaine et, accompagné de Werefkin, part pour Munich. Il rencontre Kandinsky qui a quitté la Russie un an auparavant. En 1898 il part pour l’été en Russie en compagnie de Werefkin, puis visite Venise. Sa production picturale d’alors est essentiellement des natures mortes.
En 1905, il travaille à Carantec, en Bretagne et, grâce à l’intervention de Diaghilev, envoie six toiles au Salon d’automne, qui sont exposées dans la section russe et fait la connaissance de Matisse. Il achète en 1908 un tableau de Van Gogh et rencontre le danseur russe Alexandre Sakharoff qui devient son ami intime. Il passe les étés à Murnau, dans le sud de la Bavière en compagnie de Werefkin, Kandinsky et Gabriele Münter. Ils font partie des fondateurs de la Nouvelle Association des Artistes de Munich (Neue Künstlervereinigung München) ou NKVM, qui tint sa première exposition à la galerie Thannhauser de Munich en décembre et qui donne naissance en 1912 au « Blaue Reiter ». Il rencontre Franz Marc, Emil Nolde et participe aux expositions du Sonderbund et à Neue Kunst chez Golz à Munich. Après la déclaration de la guerre de 1914, il se réfugie en Suisse à Saint-Prex. Dans un grand isolement, il commence à peindre la vue qu’il a de sa fenêtre : c’est la série des Variations, le peintre s’engage sur une voie qui le mènera au dépouillement. Puis à Zurich, qui est devenu un lieu de rencontre pour les artistes et écrivains européens fuyant la guerre, il fait la connaissance de Jean Arp, Wilhelm Lehmbruck et Marie Laurencin. Il commence ses séries des Têtes mystiques et, de 1918 à 1921, il s’installe à Ascona et commence la série des Têtes Abstraites.
En 1924 Emmy Scheyer crée le groupe des « Quatre bleus » comprenant Jawlensky, Lyonel Feininger, Paul Klee et Kandinsky pour promouvoir leurs œuvres aux États-Unis sur la Côte Ouest.
Dès 1929, Jawlensky est de plus en plus affecté par l’arthrite qui finit par le paralyser6. En 1938, il cesse de peindre. Il meurt le 15 mars 1941, à l’âge de soixante-dix-sept ans. Il est inhumé au cimetière russe de Wiesbaden.

Marianne von Werefkin

Marianne von Werefkin (née le 11 septembre 1860 à Toula, Russie ; morte le 6 février 1938 à Ascona, Suisse) était une peintre russo-suisse de la période expressioniste.
Marianna Vladimirovna Verëvkina était la fille du commandant du régiment d’Ekaterinbourg dans l’Oural. En 1880, elle est l’élève d’Ilya Repine, le plus grand peintre réaliste de Russie. En 1888, elle a un accident de chasse au cours duquel elle se tire dans la main droite avec laquelle elle peignait. En 1892, elle rencontre Alexej von Jawlensky qui rencontre ensuite Helene Neznakomova qui vient vivre avec le couple de peintres. Tous trois font alors un voyage à travers l’Allemagne en 1896. Pendant près de dix ans elle ne peint plus.
Ils résident ensuite en France de 1905 à 1906. En 1907, elle commence son œuvre expressionniste. Elle adopte le style de Paul Gauguin et Louis Anquetin. En 1909, Alexej von Jawlensky, Marianne von Werefkin, Vassily Kandinsky et d’autres fondent le NKVM, qui tient sa première exposition à la galerie Thannhauser de Munich en décembre et qui donne naissance en 1912 au Blaue Reiter.
À la déclaration de la Première Guerre mondiale, von Jawlensky et elle émigrent en Suisse, près de Genève, puis à Zurich. En 1918, ils se séparent, et Werefkin s’installe à Ascona. En 1924, elle crée le groupe d’artiste Großer Bär.
Dans les années qui suivent, elle peint des affiches. Ses amis Carmen et Diego Hagmann la préservent de la pauvreté.
Elle meurt le 6 février 1938 et repose dans le carré russe du cimetière d’Ascona.
Son utilisation des couleurs, ses perspectives déformées et ses cadrages donnent à ses œuvres une force peu commune.

Lyonel Feininger

Lyonel Charles Feininger (New York, 17 juillet 1871 – id. 13 janvier 1956) est un peintre expressionniste et caricaturiste allemand-américain.
Feininger, né à New York, part à l’âge de seize ans avec ses parents pour l’Europe et particulièrement à Berlin où il vit avant d’émigrer en 1936, victime de la discrimination allemande et de retourner aux États-Unis. Doué aussi bien sur le plan musical que de la peinture, il donne la préférence à son penchant le plus fort qui était la peinture. Il doit attendre longtemps avant d’être reconnu en tant qu’artiste malgré de respectables succès comme illustrateur.
À partir de 1905 il réalise des caricatures pour les revues humoristiques Ulk et Fliegende Blätter. En 1906-1907 il réalise textes et dessins pour une série de bandes dessinées pour le Chicago Tribune. Son œuvre picturale de 1906 à 1911 est influencée par ses planches illustratives, et ce n’est qu’en 1911, à Paris, qu’il trouve sa voie vers sa propre forme artistique grâce aux œuvres des cubistes. Il se détourne presque totalement d’éléments figuratifs dans ses toiles dont le thème principal devient la ville et l’architecture des villages thuringiens. Un haut clocher d’église est souvent omniprésent dans les compositions qui datent de la guerre ou la suivent, comme un symbole d’espoir en un monde plus paisible. Fidèle aux préceptes cubistes, il renie toute perspective classique pour la recomposer à partir d’éléments déstructurés, de formes emboîtées les unes dans les autres de façon compliquées qui confèrent à l’œuvre une monumentalité intérieure et une sévère tectonique. Cependant ses tableaux ne forment pas des blocs compacts et, grâce à son apprentissage des couleurs chez Robert Delaunay, ils irradient de lumière et de transparence.
Il fut également membre de la Sezession berlinoise en 1909, associé au groupe expressionniste Die Brücke et au groupe Les Quatre Bleus. Il enseigna au Bauhaus pendant plusieurs années (à partir de 1919).

Paul Klee

Paul Klee, (prononcer « Klé »), est un peintre allemand né le 18 décembre 1879 à Münchenbuchsee, près de Berne et mort le 29 juin 1940 dans un hôpital de Muralto dans le canton du Tessin.
Paul Klee (1879-1940) entre en contact en 1911 avec le groupe du Blaue Reiter. Il fait la connaissance de Kubin, Kandinsky, Macke et Marc, avec lesquels il expose l’année suivante à la seconde exposition berlinoise ; il rencontre à Paris Robert Delaunay et le milieu cubiste, orientant ainsi sa propre recherche d’une analyse introspective sur les valeurs psychologiques des formes vers les problèmes de lumière, de couleur, de mouvement et de temporalité. Durant un voyage extrêmement important en Tunisie, en 1914, en compagnie des peintres Moilliet et Macke, Klee découvre définitivement la couleur : « C’est le moment le plus heureux de ma vie : la couleur et moi sommes une seule chose. Je suis peintre ». Démobilisé en 1918, il utilise davantage la peinture à l’huile et réalise des compositions très libres où il introduit des signes et des lettres.
L’entrée de Kandinsky au Bauhaus de Weimar en 1921, loin de modifier la méthode d’analyse de Klee, la renforce et lui permet d’effectuer d’approfondissements théoriques sur les possibilités de construire l’image qui n’entre jamais en conflit avec la composante fantasque et imaginative de ses peintures. Ses cours de peinture à Bauhaus se déroulent parallèlement à ceux de Kandinsky, auquel est lié par une grande amitié. Il fonde en 1924 avec Kandinsky, Feininger et Jawlensky le groupe des Blaue Vier (les Quatre Bleus). Les nombreuses œuvres de cette période sont divisées par thèmes qui, cependant, reconduisent toujours à sa manière particulière de saisir le réel et de le transposer sur un mode imaginaire. Il s’agit d’images magiques et riches de mystère, toutes de petit format, où les zones de couleur, souvent très lumineuses, s’ordonnent en fonction de structures abstraites et s’accompagnent de fins signes graphiques.
En 1925, après avoir quitté le Bauhaus, Klee devient professeur à l’Académie de Düsseldorf et en 1933, après la condamnation nazie de l’art dégénéré, il s’établit à Berne. La maladie qui l’afflige ralentit le rythme de sa production, qui prend un caractère plus dramatique ; les traits noirs épais deviennent essentiels et obsessionnels, et présentent des funèbres analogies avec des barreaux et des symboles nocturnes.

Robert Delaunay

Robert Victor Félix Delaunay, né le 12 avril 1885 à Paris et mort le 25 octobre 1941 à Montpellier, est un peintre Français lié aux mouvements cubiste-orphique et abstrait.
Les parents de Robert Delaunay divorcent quand il a 9 ans. Il est alors élevé par une sœur de sa mère et son mari. À l’école, il ne s’intéresse qu’au dessin et à l’histoire naturelle, ce qui lui vaut d’être exclu pour paresse. Il est engagé en tant qu’apprenti dans la conception scénique deux années durant. C’est là qu’il développe son goût pour les grandes surfaces.
En 1904 et 1905, Robert Delaunay réalise ses premières peintures : des paysages et des fleurs de facture néo-impressionniste et fauve. En 1906, il fait son service militaire à Laon (Aisne) où, fasciné par la cathédrale, il en fait de nombreux croquis.
Fin 1906, Robert Delaunay rentre à Paris, et présente « Le manège électrique » au jury du Salon d’automne qui le refuse. Il décide de ne jamais exposer à ce salon. En 1907, il fréquente un groupe de jeunes artistes cherchant un art nouveau parmi lesquels Jean Metzinger, Henri Le Fauconnier et Fernand Léger. Dans le même temps, il entreprend un travail conséquent sur des monuments de Paris. Le résultat de ses recherches a pour conséquence de proposer une théorie personnelle sur la couleur, en prenant comme point de départ son œuvre « Paris – Saint-Séverin » (1909).
Début 1909, il rencontre Sonia Terk, mariée alors avec Wilhelm Uhde, dont elle divorce aussitôt pour se remarier avec Robert Delaunay, dont elle est enceinte, le 15 novembre 1910. Le 18 janvier 1911, nait un garçon, Charles.
En 1910, influencé par le Cubisme, Robert Delaunay réduit sa palette de couleurs jusqu’au monochrome, puis, sous l’influence de Sonia, il réintroduit les couleurs chaudes. Avec d’autres artistes comme Henry Rousseau, Heinrich Campedonk, August Macke, Gabriele Münter, Paul Klee, il fait partie du groupe « Der Blaue Reiter » et participe aux deux expositions de 1911 et 1912 à Munich. C’est aussi en 1912 qu’il se tourne vers l’Orphisme avec sa série des Fenêtres (Musée de Grenoble et Philadelphie Museum). Avec Sonia Delaunay, il crée le simultanéisme, basé sur la loi du contraste simultané des couleurs.

A cette époque, pour un jeune peintre latino-américain, le voyage en Europe était presque inéluctable. Ainsi partit Aquiles Badi en 1921 vers Milan par la décision de sa mère, récemment veuve ; l’année suivante c’est Horacio Butler qui, avant de s’établit à París, erra longuement en Allemagne et en Suisse avant de finalement rejoindre la Ville Lumière en janvier 1923 ; quelques mois plus tard arrivent Alfredo Bigatti et Héctor Basaldúa. En 1925 ce sont Antonio Berni et Víctor Pissarro et, en 1926, Lino Enea Spilimbergo. En 1929 les rejoignent Raquel Forner, Juan Del Prete et Alberto Morera, puis, à la fin de l’année, Pedro Domínguez Neira.
A paris, dans le quartier de Montparnasse, ils vivent cette vie de bohème des artistes de toutes nationalités, visitant les musées, assistant aux écoles et ateliers gratuits et refaisant le monde aux terrasses des cafés. Là, ils vont subir l’influence de ce que l’on a appelé « l’école de Paris », un groupe d’artistes qui, après la Première Guerre mondiale, cherchaient une façon alternative d’exprimer une nouvelle vision du monde, liée à la reprise d’un humanisme vivifiant. Ceci impliquait une sorte de retour vers le passé classique, avec ses valeurs d’ordre, de clarté et d’harmonie. Mais sans pouvoir se soustraire complètement aux mouvements d’avant-garde comme le cubisme et l’expressionnisme qui fonctionnèrent alors comme un prisme déformant.
C’est pourquoi, bien que les noms de Picasso, Chagall, De Chirico ou Modigliani soient les plus représentatifs du Paris créatif de cette époque, ce sont André Lhote, et dans une moindre mesure, Charles Guérin, Antoine Bourdelle et Othon Friesz qui guidèrent réellement les pas de ces peintres Argentins venus se former à Paris. Même si certains furent aussi influencés par d’autres courants comme, par exemple, le surréalisme pour Antonio Berni ou l’expressionnisme pour Raquel Forner. Mais au-delà de certaines affinités esthétiques, stylistiques ou poétique, le « Groupe de Paris » fut surtout un groupe d’artistes liés par des liens d’amitié, l’appartenance à une génération commune, partageant les mêmes expériences et, surtout, la même utopie d’une modernisation de l’art argentin.

Il faut noter, pour finir, que tout cela ne fut possible que grâce à l’existence à Paris d’un nouveau type d’Académies « Libres », comme l’Académie Colarossi ou celle de la Grande Chaumière, par exemple, principes que Bigatti, Guttero, Domínguez Neira et Raquel Forner tentèrent de transposer à leur retour à Buenos Aires en 1932 en créant leurs Cursos Libres de Arte Plástico.

Voici maintenant quelques œuvres datant de cette époque.

Les élèves

Antonio Berni (1905–1981)

Raquel Forner (1902–1988)

Lino Enea Spilimbergo (1896-1964)

Et quelques autres…

Aquiles Badi (1894-1976), Héctor Basaldúa (1894-1976), Horacio Butler (1897-1983), Juan Del Prete (1897-1987), Pedro Domínguez Neira (1894-1970), Víctor Pissarro (1891-1937)

[Pour en savoir plus sur la vie et l'œuvre d'Antonio Berni, Raquel Forner et Lino Enea Spilimbergo, c'est par ici]

Les professeurs

André Lhote (1885-1962)

Né à Bordeaux en 1885, élève de l’Ecole des Beaux Arts de sa ville natale, André Lhote peint la femme avec rigueur et réalisme. Si ses débuts dans la vie furent, jusqu’à sa vingtième année, consacrés à la sculpture, par la suite il délaissera complètement cet art, et c’est avec passion qu’il se plongera dans l’univers de la peinture, tant par sa production picturale, que par ses écrits enthousiastes. Il adhéra au cubisme en 1912, et participe donc directement à son émergence avec les plus grands que sont Braque, Picasso, Gleizes, mais se distingua par son refus de rompre avec la vision classique et par son attachement à maintenir l’intelligibilité des sujets représentés. Il cèdera aussi passagèrement au primitivisme, ce qui se traduisit par des vues de villes et de campagnes très géométriquement structurées qu’il nommera Cubisme Synthétique.
Mais l’artiste ne se soucie cependant pas uniquement de la pratique liée à la peinture mais aussi de ses fondements théoriques. Lhote met à profit le fait d’avoir été cofondateur de la Nouvelle Revue française en y publiant par la suite ses réflexions critiques sur l’art jusqu’en 1940.
En 1921, André Lhote ouvre son école sur les hauteurs de Montparnasse. Il fut également professeur à l’Académie de la Grande Chaumière.
Le peintre fait l’acquisition d’une vieille maison à Gordes en 1938. C’est là qu’il vit le début de la guerre avec sa femme et son collègue peintre Marc Chagall. Le couple séjourne dans cette maison jusqu’en 1942, puis ils rentrent à Paris où Lhote veut de nouveau enseigner dans une école de peinture. Après la guerre, il fait de nombreuses tournées de conférences en Belgique, en Angleterre, en Italie, en Egypte (1950) et au Brésil (1952).
Vers la fin de sa vie il développa aussi ses talents dans la décoration, notamment les peintures murales à la faculté de médecine de Bordeaux, en 1957). Il décède à Paris en 1962.

Achille-Émile Othon Friesz (1879–1949)

Achille-Émile Othon Friesz est né au Havre.
Fils d’un capitaine dont le rêve était d’être un jour un grand navigateur, Othon Friesz a été, avec Georges Braque et Raoul Dufy, élève à l’École municipale des Beaux-Arts du Havre. Une bourse lui permet d’entrer à l’École des Beaux-Arts de Paris en 1897.
D’abord influencé par les impressionnistes, puis par Van Gogh et Gauguin, quelques unes de ses toiles sont regroupées au Salon d’automne de 1905, avec des œuvres de Matisse, Marquet et Manguin. Les aplats de couleurs éclatantes et la nervosité du dessin donnent la sensation au spectateur de pénétrer dans une « cage aux fauves ». C’est le début du fauvisme dont il va devenir l’un des principaux représentants.
À l’été 1906, avec Braque, ils font un séjour à Anvers, travaillant sur les mêmes sujets, puis, l’année suivante, à l’Estaque et La Ciotat, transposant sur leurs toiles la lumière du Midi. De retour à Paris, tandis que Braque élabore avec Picasso, qu’il vient de rencontrer, les fondements du cubisme, Friesz poursuit un naturalisme influencé par Cézanne et réalise des paysages, des natures mortes et des marines plus traditionnels, tout en conservant de sa période fauve l’énergie du trait et le goût affirmé pour la couleur et les contrastes forts.
En 1912 il commence à enseigner le dessin, à l’Académie Moderne de Paris jusqu’en 1921, à l’Académie Scandinave à partir de 1925 et à l’Académie de la Grande Chaumière à partir de 1944.

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Equateur

Oswaldo Guayasamín (1919–1999)

Oswaldo Guayasamín est un peintre, sculpteur et muraliste équatorien, né d’un père amérindien et d’une mère métisse.
Sa vocation artistique apparait très tôt, très jeune il vend déjà ses peintures sur les places de Quito. Bien que sa famille soit très humble et que son père s’oppose à ses études d’art, il entre à l’école des Beaux-Arts de Quito en 1932. Son ami Manjarrès meurt lors d’une manifestation d’ouvriers (connu sous le nom de la « Guerra de los Cuatro Dias« ). À partir de ce jour là, Guayasamín voit l’homme et la société dans laquelle il vit de manière plus obscure.
Il organise sa première exposition à l’âge de 23 ans, en 1942 dans sa ville natale, et nombre de ses toiles sont achetées par Nelson Rockefeller, qui restera un de ses mécènes les plus importants. Cette même année il voyage aux États-Unis (il se rend au MoMA de New York pour voir Guernica de Picasso) et au Mexique, où il fait la connaissance du muraliste Jose Clemente Orozco, dont il deviendra un des disciples. Il voyage aussi à travers de nombreux pays d’Amérique du Sud, ce qui lui permet de dénoncer la situation déplorable de la population indigène.
En 1957 Oswaldo Guayasamín est déclaré meilleur peintre sud-américain lors de la quatrième biennalle de São Paulo.
Son œuvre comprend plus de 7000 peintures et un grand projet auquel il travaillait depuis quatre ans et que sa mort laisse inachevée : La Capilla del Hombre qu’il avait fait construire sur les hauteurs de Quito et qu’il décorait, sur trois étages, de peintures dans la tradition engagée des muralistes mexicains. L’ensemble terminé devait raconter l’histoire de l’homme américain depuis l’époque précolombienne, en passant par la Conquête et la colonisation, jusqu’au métissage contemporain. Ses tableaux, expressionnistes et tragiques, dénoncent la violence qui traverse tout le XXe siècle. Ils dégagent une force et une émotion rare.

Mexique

Alfredo Ramos Martínez (1871–1946)

Considéré par beaucoup comme le père du modernisme mexicain, Ramos Martínez est un peintre et muraliste qui a vécu et travaillé au Mexique, à Paris et Los Angeles.
À l’âge de quatorze ans, l’un des dessins de Ramos Martínez, un portrait du gouverneur de Monterrey, est envoyé à une exposition à San Antonio, au Texas, et remporte le premier prix. Une partie de ce prix inclus une bourse pour étudier à la prestigieuse Academia Nacional de Bellas Artes de Mexico. Ainsi, l’ensemble de sa famille s’installe à Coyoacan, une petite ville à la périphérie de Mexico City. Dès le début, il est reconnu comme prodigieusement doué. Son médium privilégié est l’aquarelle et il remporte de nombreux prix pour ses réalisations.
Lors d’un dîner à Mexico donné par Porfirio Diaz, le président du Mexique, Phoebe Hearst remarque des napperons dessinés et peints par le jeune Ramos Martínez. Elle est tellement impressionnée qu’elle demande à rencontrer l’artiste et à voir d’autres exemples de son travail. Après leur réunion, elle achète non seulement toutes ses aquarelles, mais accepte également de lui fournir un soutien financier pour la poursuite de ses études artistiques à Paris.
L’arrivée de Ramos Martínez à Paris en 1900 coïncide avec le développement du post-impressionnisme et il découvre le travail de Gauguin, Van Gogh, Matisse, Monet, Seurat et Odilon Redon. Se mélant aux salons littéraires, il devient un intime de la célèbre poète nicaraguayen, Rubén Dario, mais également d’Isadora Duncan ou de Paul Verlaine.
Début 1910, au moment où Ramos Martínez rentre au Mexique, le pays est dans la tourmente : la Révolution mexicaine commence. En 1913, il devient directeur de la première « Académie Libre » qui comptera David Alfaro Siqueiros dans ses premiers élèves. Bien que Ramos Martínez investisse l’essentiel de son énergie dans l’enseignement et la mise en place de son école ouverte, il poursuivit son travail de peintre et, en 1923, reçoit la Grande Croix de l’Ordre de Léopold par le roi Albert de Belgique, en reconnaissance de sa contribution aux arts visuels.
Il déménage à Los Angeles en 1929 où, grâce à Harold Grieve, directeur artistique et décorateur d’intérieur à la Warner Bros, il vend des toiles à Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Charles Laughton, Gary Cooper ou James Stewart.
Alfredo Ramos Martínez est décédé subitement en 1946 à l’âge de 73 ans à Hollywood, en Californie. Il est aujourd’hui l’un des artistes latino-américain les mieux côté sur le marché de l’art : Flores de México, peint en 1938, s’est vendu pour 4 millions de $ en 2007 chez Christie’s, et La india pour 2,18 millions de $ en 2008.

Diego Rivera (1886–1957)

Diego Rivera, connu pour avoir vécu une passion tumultueuse avec la peintre mexicaine Frida Kahlo, est aussi l’un des plus grands « muralistes » du XXe siècle, avec ses compatriotes Siqueiros et Orozco. Il fut aussi un très grand peintre de chevalet.
Avant de se fixer en 1909 à Paris, alors capitale artistique du monde, Diego Rivera étudie la peinture à l’Académie de San Carlos à Mexico, puis à Barcelone en 1907. A partir de 1912, il se tourne vers le cubisme, dont Braque et Picasso sont les hérauts. Il fréquente les milieux d’avant-garde de Montparnasse, et compte parmi ses amis des artistes de toutes nationalités installés à Paris : Picasso, Modigliani, Lipchitz, Mondrian, Severini.
En 1918, Rivera se détourne du cubisme et revient à une figuration plus naturaliste. Il retourne au Mexique trois ans plus tard, et en 1922 commence ses premières fresques en compagnie de plusieurs camarades peintres. Proche des mouvements d’extrême gauche (il est l’ami de Trotsky, qu’il accueille chez lui au Mexique) et engagé politiquement, l’artiste aborde dans ses œuvres des thèmes socialistes liés à la guerre civile mexicaine des années 1910, notamment celui du travail et de la liberté, mêlés à des représentations ethniques. Son style aux formes simplifiées et aux couleurs vives s’accorde parfaitement avec les vastes superficies qu’on lui donne à recouvrir de peinture.
Il effectue de 1930 à 1934 plusieurs séjours aux Etats-Unis avec son épouse Frida Kahlo (ils se marient en 1930), et se voit commander plusieurs fresques sur des thèmes industriels, notamment pour l’Art Institute de Detroit (1932-1933), ou Homme au carrefour pour le Rockefeller Center de New York (1934), mais la fresque est retirée peu après car le portrait de Lénine qui y est inclus provoque un scandale.
Rivera meurt près de Mexico en 1957, trois ans après Frida, à l’âge de soixante et onze ans.

Frida Kahlo (1907–1954)

Rufino Tamayo (1899-1991)

Figure de la peinture mexicaine, Rufino Tamayo nous expose une oeuvre onirique et fantastique.
Né au tournant du siècle à Oaxaca, dans un Mexique religieux et populaire, Rufino Tamayo doit à l’Église de son enfance le goût de la vie intérieure et la sensibilité aux images et aux couleurs. Tamayo est vite lassé par l’académisme des cours de l’École des beaux-arts. Dès 1921, il est nommé au Musée archéologique de Mexico. Il étudie alors de près les arts préhispaniques, qui seront une révélation pour l’ensemble de son travail à venir. Il s’inscrit ensuite à la très réputée Ecole nationale des arts plastiques San Carlos où il côtoie les fameux peintres Frida Kahlo et Diego Rivera, dont l’oeuvre l’influence. Sa liberté dans l’expérimentation technique et sa verve puisée à la source de l’histoire font vite remarquer son originalité. Il devient professeur de peinture en 1926 et expose à Mexico et à New York. Il est aussi reconnu à Paris, où il peint à l’Unesco. Il expérimente le cubisme puis tente de s’intégrer au mouvement muraliste, mais il se sent trop indépendant pour s’engager davantage. Car, pris par le mouvement culturel qui prolonge la révolution mexicaine dans les années 1920, il entend ne pas se limiter à une peinture politique et sociologique, même si dans son œuvre quelque chose demeure de « cet art monumental et héroïque, humain et populaire » dont parle Siqueiros. Il réalise en 1933 la fresque de l’Ecole nationale de musique de Mexico.
Les années 1940 vont être un tournant décisif : il trouve enfin son style et sa thématique. Il se démarque des autres artistes dont la démarche est souvent politique pour une dimension onirique et originelle de l’art.

Nicaragua

Armando Morales (1927-)

Armando Morales est un peintre nicaraguéen de renommée internationale, considéré comme le plus grand peintre d’Amérique centrale du XXe siècle. Son travail a notamment été exposé à sept reprises de 1984 à 2000 à la Galerie Claude Bernard, à Paris.

Né à Granada en 1927, il étudie à l’Escuela Nacional de Bellas Artes de Managua de 1941 à 1945 et de 1948 à 1953. Il commence à exposer internationalement à partir de 1953. En 1956 il gagne le premier prix au concours de peinture « 15 de Septiembre » qui se tient au Guatemala avec sa peinture Spook-Tree, qui sera ensuite achetée par le MoMA de New York.
En 1959, il remporte le prix « Ernest Wolf » du Meilleur Artiste latino-américain à la 5e Biennale de São Paulo.
De 1960 à 1964, grâce à une subvention de la Fondation Guggenheim, il part étudier au Pratt Graphic Art Center de New York. A cette époque, il est influencé par l’art abstrait de certains artistes comme Motherwell. En 1966, il retourne à la figuration, inventant peu à peu un style, le réalisme magique, avec une palette de couleurs impressionnistes, une texture granuleuse, des ambiances mystérieuses, un style vraiment unique qui n’appartient qu’à lui.
En 1972, il enseigne la peinture à la Cooper Union de New York, puis devient attaché culturel du Consulat du Nicaragua dans cette ville.
A partir de 1982 il établit sa résidence principale à Paris, où il sert dans le gouvernement révolutionnaire du Nicaragua en tant que représentant de l’UNESCO. Il démissionne de son poste en 1990, lorsque les Sandinistes perdent les élections nationales, et établit son nouveau studio à Londres. En 1993, un portefeuille de lithographies, La saga de Sandino, figure dans une exposition du Musée Rufino Tamayo de Mexico.

Armando Morales est capable de peindre n’importe quelle chose, moment ou sentiment, sans se soumettre à la servitude d’aucune mode. Il est réaliste d’une réalité que lui seul connaît et qui pourrait être aussi bien du XVIe siècle que du XXIe. [Gabriel García Márquez dans la préface du catalogue de l'exposition à la Foire International d'Art Contemporain à Paris en 1992]

Pérou

Macedonio de la Torre (1893-1981)

Artiste polyvalent, dynamique et original, Macedonio de la Torre Collard a fait ses études en Europe à la fin des années 20 et a conduit le Pérou vers le modernisme pictural, représenté par l’avant-garde fauve et l’abstraction (1930).
Il a fait ses premières études au Colegio Alemán-Inglés de Trujillo puis au Séminaire de San Carlos et San Marco, dirigé par les frères Lazaristes français. En 1912, il rejoint l’Universidad Nacional de Trujillo, puis l’Université de San Marcos de Lima (1913-1914), où il acquiert une vaste culture et une profonde compréhension des valeurs esthétiques. À l’époque, il joue du violon tout en cultivant la peinture et le dessin, cherchant encore sa voie. Pour se retrouver, il entreprend un voyage à pied vers l’Argentine à travers la Bolivie. Il arrive à Buenos Aires en 1915, pratique divers métiers pour survivre, et rejoint un groupe d’artistes de La Boca, le quartier branché de Buenos Aires, dirigé par Quinquela, entre autres. Il décide alors d’être peintre. Sa première exposition personnelle a lieu en 1917.
En 1924 commence une nouvelle étape dans sa carrière : un long voyage en Europe va l’amener successivement en Allemagne (1924-1925) où étudie la peinture et la sculpture sous la direction de Jean-Jacques Henner, puis en Italie (1925-1926), en Belgique (1926-1927) et à Paris (1927-1931), où il suit des cours d’Antoine Bourdelle. Ces années européennes le mettent en contact avec les œuvres des grands maîtres de l’impressionnisme.
En 1930 se tient sa première exposition à Lima (des paysages ruraux et urbains du vieux continent) et c’est un évènement exceptionnel dans la capitale péruvienne, tant sa peinture est loin de l’indigenismo alors en vogue parmi les peintres péruviens. Ses expositions vont alors se succéder. Rien qu’à New-York, il en fait plus de dix (1959-1960).
Jusqu’à sa mort, Macedonio ne cesse de peindre, notamment des vues très oniriques de la Selva, summum de son œuvre plastique car ce sujet lui permit de s’exprimer avec passion et de s’enivrer dans la couleur. Elles le firent se déchaîner dans une joie fébrile où, dans un apparent désordre et effectuant d’intenses repentirs, il versait les couleurs sur la surface blanche, recherchant cet enchevêtrement de troncs, de branchages, de feuilles et de fleurs auxquels il est aujourd’hui tellement identifié.

Fernando de Szyszlo (1925-)

« Ce que nous éprouvons pour les nouvelles de Borges, les poèmes de Vallejo ou d’Octavio PAE, les tableaux de Tamayo ou de Matta est aussi vrai pour la peinture de Szyszlo : il s’agit là de l’Amérique latine dans son expression la plus haute, là s’exprime ce que nous sommes et avons de meilleur. » Mario Vargas Llosa

Fernando de Szyszlo, peintre et sculpteur, est une figure clé de l’abstraction des années cinquante en Amérique latine et il a contribué de façon majeure au renouveau artistique de son pays, faisant œuvre de pionnier dans le traitement de thèmes péruviens dans un style non-figuratif. A Paris (où il s’est rendu à l’âge de 24 ans) il s’est imprégné des leçons du cubisme, du surréalisme, de l’informel et de l’abstraction de l’époque, se liant d’amitié avec Octavio Paz et André Breton.
Il a enseigné à la Escuela de Arte de la Pontificia Universidad Católica du Pérou entre 1956 et 1976 et fut professeur invité des Universités de Cornell, Yale et du Texas .
Le lyrisme de la couleur, renforcée par de riches effets de texture et une manipulation magistrale de la lumière et des ombres sont les caractéristiques les plus importantes de la peinture de Szyszlo, toute emplie d’étranges totems pré-colombiens.
Depuis sa première exposition personnelle à Lima en 1947, Szyszlo a eu plus de 100 expositions individuelles dans des musées et des galeries en Amérique latine, Europe et aux Etats-Unis et a participé aux biennales de São Paulo et Venise. Son travail est présent dans d’importantes collections publiques et privées à travers le monde.

République Dominicaine

Jaime Colson (1901–1975)

Jaime Colson est un peintre moderniste de la République dominicaine.
Né à San Felipe de Puerto Plata, il a étudié d’abord en Espagne, à Madrid et à Barcelone, avant de s’installer à Paris, se liant notamment avec Braque, Léger et Picasso. En 1934, il s’installe à Mexico, où il enseigne pendant un certain temps avant de revenir en République dominicaine en 1938.
Le style de Jaime Colson a été influencé par le purisme et le surréalisme, avec une dose de classicisme à la façon de Picasso. Outre ses talents de peintre, il a été actif en tant que professeur : parmi ses élèves on compte la cubaine Mario Morales Carreño.
Colson est mort en Santo Domingo en 1975 mais reste aujourd’hui encore considéré comme un maître de la peinture caribéenne.

Uruguay

Joaquín Torres-García (1874-1949)

Joaquín Torres-García est l’un des artistes majeurs de la première moitié du XXe siècle. Par sa modernité, son impact sur l’esthétique établie et sur les générations futures, il fut sans doute celui qui révolutionna le mieux la création en Amérique du Sud (et au-delà).
De père catalan et de mère uruguayenne, il quitte le continent sud-américain à l’âge de dix-sept ans et commence des études de peinture murale à Barcelone, où il exécute plusieurs fresques dans l’église de San Augustin et au palais de la Diputación (1912). Après un court voyage en France et en Belgique (1910), il regagne Montevideo avant de séjourner deux ans à New York (1920-1922).
Voyageur infatigable, il retourne bientôt en Europe et découvre le futurisme lors de son séjour en Italie. En 1924, il décide de se fixer quelque temps à Paris et s’intègre bientôt à l’avant-garde abstraite (avec Van Doesburg, Mondrian, Braque, Gris, Picasso, Domela et Seuphor). Il participe en 1925 au Salon d’automne. C’est avec Michel Seuphor qu’il fonde en 1930 la revue Cercle et carré ; il prend une part active à l’exposition internationale de ce groupe, au mois d’avril.
En 1932, il retourne, de manière définitive, à Montevideo. L’année suivante, le M.A.M. de Madrid lui consacre une exposition personnelle. En Amérique du Sud, il ouvre l’Académie d’art constructif, dont le succès et l’influence sont décisifs pour les jeunes artistes uruguayens. Il entreprend la publication de la revue Circulo y Cuadrado, qui, dès lors, est plus un organe d’école qu’une revue internationale d’art abstrait. Il publie bientôt son autobiographie, Historia de mi vida (1939), puis un ouvrage théorique intitulé Universalismo constructivo (1944). Il fonde à la fin des années quarante son propre atelier (el Taller Torres-García). A sa mort, en 1949, la Escuela del Sur se crée à partir de cet atelier. Dans les années 50, les disciples de Torres-García (notamment Francisco Matto, Augusto Torres, Manuel Pailós, Julio Alpuy, Gonzalo Fonseca, Horacio Torres et José Gurvich) vont s’y retrouver pour poursuivre son travail ; tout en y apportant une touche personnelle, ils parviendront à rester fidèles au langage universel de cette géométrie sensible.

Marqué profondément par l’art précolombien, plus peut-être que par son expérience européenne, Joaquín Torres-García pratique volontiers l’idéogramme (où l’on peut déceler l’influence de Klee), mais toujours dans la conception d’un espace bidimensionnel, dont l’équilibre repose sur l’interdépendance d’éléments du domaine du sensible et de formes plus structurelles. Des éléments symboliques, des lettres et des chiffres viennent s’intégrer aux formes serrées, cernant les couleurs terre de légers contours noirs.
Joaquín Torres-García est représenté notamment à New York (MoMA), à New Haven (Yale University Art Gal.) et à Paris (MNAM). Une soixantaine de ses œuvres ont disparu lors de l’incendie du M.A.M. de Rio de Janeiro en 1978.

María Freire (1917-)

María Freire, peintre et sculpteur, est l’une des plus éminente représentante de l’art abstrait géométrique en Uruguay.
Née à Montevideo le 7 Novembre 1917, María Freire a étudié la sculpture et la peinture au Círculo de Bellas Artes et à l’Universidad del Trabajo, entre 1938 et 1943.
En 1952, elle co-fonde le Grupo de Arte No Figurativo avec José Pedro Costigliolo, son futur mari. En 1953 à la La Biennale de Sao Paulo, elle est éblouie par le travail de Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, et, surtout, de Friederich Vordemberge Gildewart, le pionnier le plus important de l’art concret en Allemagne.
En 1957, elle reçoit la bourse « Gallinal » pour étudier en Europe (Amsterdam et Paris, 1957-1960). C’est à cette époque que sa peinture s’éloigne de l’austérité des premiers stades de sa carrière pour un langage plus symbolique, presque africain, comme dans Capricorne (1965), œuvre aux courbes sensuelles que l’artiste elle-même associe à l’art maori.
Elle a été professeur d’Histoire de l’art pour des étudiants en architecture. Elle a également travaillé comme critique d’art dans le journal « Action » (1962-1973).
Entre 1954 et 1992, elle a participé à 17 expositions en solo à Montevideo, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Buenos Aires, Barcelone, Bruxelles et Washington. En 1966, elle a participé à la 33e Biennale de Venise.

Ignacio Iturria (1949-)

Né en 1949 à Montevideo, dans le quartier de River Plate, Ignacio Iturria figure parmi les artistes contemporains latino-américains les plus estimés sur la scène artistique internationale.
Sa palette va du noir au marron boueux (inspiré par les eaux limoneuses du Rio de la Plata), en couches épaisses, avec des nuances plus légères de brun, de beige ou de gris. Il s’autorise parfois l’utilisation judicieuse de blancs sales, et même, de temps en temps, de petites touches de bleu et de rouge, qui servent surtout à souligner la qualité quasi monochromatique de sa production.
Pourtant, derrière cet aspect austère et des sujets en apparence mélancolique, se cache un maître de la fantaisie impassible. Créateur d’un monde insolite fait de scènes intimistes, Iturria observe avec humour et tendresse la situation de l’homme moderne. Des petits personnages s’animent dans des espaces cubiques et clos et deviennent les acteurs de scènes de genre où le quotidien se pare de vertus ironiques. Minuscules par rapport à l’espace dans lequel ils se meuvent et semblables à des figurines de plomb, les personnages d’Iturria apparaissent comme des inconscients et heureux prisonniers d’un monde sclérosé et absurde. Petits théâtres tragi-comiques de la vie de tous les jours, où règnent l’intimité et la solitude des êtres, les toiles d’Iturria nous propulsent dans un univers à la fois naïf et inquiétant directement issu de son subconscient et de ses souvenirs d’enfance.

Fils d’un immigrant basque, souffrant d’asthme étant adolescent, Ignacio Iturria apprit de lui-même à peindre, comme une remède à sa solitude, une façon de s’évader. En 1977, il se marie et part vers l’Espagne, s’installant à Cadaqués. Là, sa palette s’éclaircit, son dessin au trait se transforme en peinture. Retour temporaire en Uruguay en 1979, pour plusieurs expositions avant de revenir s’installer à Barcelone en 1982, où il travaille en étroite relation avec des peintres catalans tels que Tharrats, Cuixart et Pitxot. Il visite aussi beaucoup, surtout l’Andalousie et la Castille, à la recherche des paysages de Benjamin Palencia.
Mais l’Espagne finit par être trop éblouissante, comparée à l’atmosphère sobre et sombre de son pays. En 1986, il retourne définitivement en Uruguay (où il vit toujours avec sa femme, Claudia et ses quatre enfants) et organise des expositions à Punta del Este et plus tard à Buenos-Aires et dans diverses villes d’Amérique latine, des Etats-Unis ou du Canada. Sélectionnée en 1995 pour représenter son pays à la Biennale de Venise, son œuvre fait l’objet de nombreuses expositions de musées à travers le monde.

« Tous les personnages miniaturisés d’Iturria semblent familiers. Ils partagent la routine existentielle d’une modernité banale. Mais leur petite taille leur permet d’accéder pleinement à la liberté d’esprit et de faire usage de leur droit de rêver (…) » Pierre Resatny

Carlos Páez Vilaró (1923-)

Carlos Páez Vilaró est un peintre, céramiste, sculpteur, muraliste, auteur, compositeur et constructeur uruguayen.
Il nait à Montevideo en 1923, apprend le dessin en 1939 et déménage à Buenos Aires, où il travaille dans l’imprimerie. De retour à Montevideo dans les années 1940, il développe un intérêt pour la culture afro-uruguayenne et s’établit dans un quartier principalement noir de Montevideo où il étudie le Candombe, un genre musical développé dans la zone du Río de la Plata, et qui trouve son origine dans les rythmes de l’Afrique bantoue. Il compose alors de nombreuses pièces musicales et dirige même un orchestre. Son intérêt pour la culture afro l’amène également au Brésil, qui abrite la plus grande population de descendance africaine d’Amérique latine.
Páez Vilaró effectue plusieurs séjours à Paris dans les années 50 et se lie notamment avec Brigitte Bardot et Pablo Picasso. En 1956, il est invité à exposer certains de ses travaux par le directeur du M.A.M. de Paris, Jean Cassou. Cette même année il se rend à Dakar – sa première visite en Afrique.
En 1958, il achète à Punta del Este un terrain en bord de mer sur lequel, au fil des années, il va ériger sa « Casapueblo », une structure tentaculaire en ciment blanchi qui rappelle Mykonos, et qui va devenir à la fois son lieu de résidence, son atelier, un musée et un hôtel.
En 1959, il réalise un Mural de 155 mètres de long, dans un tunnel de Washington.
En 1967, il se lance dans la production cinématographique avec l’aide d’industriels européens (Gérard Leclery et Gunther Sachs). Il voyage alors dans de nombreux pays d’Afrique de l’Ouest afin de réaliser un documentaire, Batouk, avec le réalisateur Jean-Jacques manigot et poète Aimé Césaire.
Le 13 Octobre 1972, le vol 571 de l’Uruguayan Air Force s’écrase dans les Andes, avec 45 passagers à son bord, essentiellement des étudiants et l’équipe de rugby des anciens étudiants du lycée Stella Maris de Montevideo qui doit disputer un match au Chili, et dont fait partie « Carlitos » Páez Rodríguez, l’un des enfants de Carlos Páez Vilaró. Celui-ci participe activement à la mission de sauvetage : le 23 décembre, 16 survivants sont retrouvés, après être restés isolés pendant 72 jours et s’être nourris des restes humains des victimes de l’accident pour survivre. Son fils est du nombre.
Jusqu’à aujourd’hui, Carlos Páez Vilaró a créé 12 peintures murales en Argentine, 16 au Brésil, 4 au Tchad, 3 au Chili, 4 au Gabon, 11 aux Etats-Unis et 30 dans son pays natal.

Vénézuela

Oswaldo Vigas (1926-)

Né le 4 août 1926 à Valencia (Venezuela), Oswaldo Vigas s’inscrit radicalement dans la lignée des grands artistes et intellectuels de l’Amérique Latine qui ont contribué au prestige de ce continent. Son œuvre garde et développe les tendances naturelles de la culture latino-américaine qui sont, suivant ses propres paroles, « de caractère prélogique, magique, mythologique, antirationaliste ».
Oswaldo Vigas est fils du docteur José Jesus Vigas et de Nieves Linares (descendante d’Arturo Michelena). Son père décède lorsque Osvaldo a 10 ans. Il vit alors entre Valencia et Tinaquillo. En 1941 le jeune homme déménage à Guacara, où il fait ses premières peintures. En 1943 on lui accorde la Médaille d’Honneur pour son œuvre Hojas Rojas. Il commence des études de médecine à l’ULA de Mérida mais il n’a jamais pratiqué.
De 1952 à 1964, il s’installe à Paris et noue des liens étroits avec les artistes de l’école de Paris. Il retourne au Venezuela en 1957 et expose à Mendoza sa série Objetos. En 1972 il produit un ensemble de sérigraphies aux États-Unis. Aux débuts des années 70, il a également l’opportunité de faire tisser des tapisseries : d’abord au Portugal, puis en Espagne, au Mexique, et enfin en France (atelier Pierre Daquin à Saint Cyr, atelier Camille Legoueix à Aubusson, atelier 3 à Paris).
En 1983 il fait des gouaches et des dessins sur Simón Bolívar.
En 1985 il présente ses premières sculptures en bronze.
En 1990 le MACCSI (Musée d’Art Contemporain Sofia Imber) de Caracas organise une Rétrospective de l’œuvre de Vigas.
La peinture d’Oswaldo Vigas est organique et jette un pont entre tous les règnes : humains, animaux et végétaux. Il est considéré comme l’un des plus importants artistes contemporains du Venezuela.

Argentine

Antonio Berni (1905–1981)

Né à Rosario d’un père immigré italien, et après des études de dessin et une première période néo-impressionniste, Berni s’installe à Paris (1925-1931) où il suit les cours de Lhote et de Friesz avant de se lier avec Louis Aragon et, par son intermédiaire, avec les surréalistes. Influencé par ses amis dans la vie politique, par Giorgio de Chirico (Autorretrato, 1934) et René Magritte dans les arts, il adopte le surréalisme et le communisme. Ses travaux seront fortement marqués par ces deux influences.
De retour en Argentine, il s’attaque à de grands tableaux de format horizontal dont le contenu social et politique engagé est servi par un dessin ferme, un coloris intense et un fini parfait (Manifestación, 1934) : ce « nouveau réalisme » (du nom du groupe fondé par Berni en 1932) sera salué par Louis Aragon. En 1958, le renouvellement viendra de l’invention de deux figures récurentes, Juanito Laguna, l’enfant des bidonvilles, et Ramona Montiel, la prostituée au grand cœur, que Berni met de nombreuses fois en scène dans de gigantesques collages et assemblages faits des rebuts de la société qu’il critique (Juanito va a la fàbrica, 1978).

Raquel Forner (1902–1988)

Raquel Forner est une peintre, sculpteur et professeur d’art argentine. Elle appartenait au mouvement « Grupo Florida » et a gagné de nombreux prix dont la médaille d’or à l’Exposition internationale de Paris en 1937.
Née à Buenos Aires, sa vocation artistique lui vint à 12 ans lors d’un voyage en Espagne avec ses parents. Dès son retour et la fin de ses études primaires, elle étudie à l’Académie Nationale des Beaux-Arts de Buenos Aires. Après avoir reçu le troisième prix dans la XIVe Exposition nationale des Beaux-Arts de Buenos Aires avec Mis vecinos (1924), elle expose ses œuvres dans les principales galeries d’Argentine (1928).
De 1929 à 1931 elle assiste, à l’Académie Colarossi de Paris, à la classe d’Othon Friesz, qui aura une influence majeure dans sa vie artistique.
En 1932, avec les peintres Alfredo Guttero, Pedro Dominguez Neira et sculpteur Alfredo Bigatti (qu’elle épousera) elle fonde le Cours Libre d’Art Plastique et, en 1934, remporte le deuxième prix dans la XXIVe Exposition nationale des Beaux-Arts. Trois ans plus tard elle gagne la médaille d’or à l’Exposition internationale de Paris.
Impressionnée par la guerre civile espagnole, elle commence une série de toiles sur « El drama », confinant au surréalisme. Depuis, son œuvre exprime les maux qui frappent le monde, par l’entremise d’êtres mutants et de toiles expressionnistes.
Les tableaux de Raquel Forner sont exposés dans des galeries et des musées en Argentine, Colombie, Brésil, Mexique, Etats-Unis, Canada, Suisse, Portugal, Allemagne, à Paris, etc.

Emilio Pettoruti (1892–1971)

Bien que Pettoruti ait été influencé par le cubisme, le futurisme, le constructivisme et l’abstraction, il n’e s’est jamais cantonné à un style en particulier.
Né à La Plata , en 1892, dans une famille de classe moyenne prospère, il a 21 ans quand, il reçoit une bourse d’étude pour un voyage en Italie où il découvre les peintres de la renaissance mais aussi les futuristes. A Paris, il fait la connaissance de Juan Gris.
En 1924, de retour en Argentine, il provoque un scandale avec son exposition d’avant-garde cubiste à Buenos Aires, contribuant à changer la définition de la modernité dans le pays. Dans les années 30, sa popularité grandit chez lui et à l’étranger. Sa renommée se répand même en Amérique du Nord (en 1942, Pettoruti visite San Francisco). En 1952 il retourne en Europe et s’installe à Paris, où il meurt en 1971.

Lino Enea Spilimbergo (1896-1964)

Lino Enea Spilimbergo, peintre et graveur argentin, est considéré comme l’un des artistes les plus importants du pays.
Né à Buenos Aires, fils d’immigrés italiens, en 1912 il commence à travailler au bureau de poste pour subvenir à ses besoins. Dès lors, et jusqu’en 1924, il garde ce travail en parallèle avec sa peinture. En 1917, il est diplômé de l’Academia Nacional de Bellas Artes et, en Septembre de cette année, son père meurt.
En 1924, il a sa première exposition individuelle. Grâce à un prix gagné dans une exposition d’art, il voyage en Europe en 1925 et visite Florence, Venise, Palerme et d’autres villes italiennes, à la recherche des sources de l’art classique, en accordant une attention particulière aux fresques. Il emménage ensuite à Paris où il étudie dans l’atelier d’André Lhote et tombe sous l’influence du post-cubisme et du travail de Paul Cézanne.
Retour en Argentine en 1928 et, en 1933, en collaboration avec l’artiste mexicain David Alfaro Siqueiros et l’Argentin Antonio Berni il réalise une peinture murale intitulée Ejercicio Plástico. Pour expliquer leurs principes et leurs idées, le groupe produit un document sous le même titre. L’implication dans ce travail est un événement décisif dans la vie Spilimbergo et marque le début de sa carrière en tant que muraliste.
En 1945, avec Berni notamment, il est l’un des contributeurs aux fresques qui décorent la grande coupole centrale des Galerías Pacífico rue Florida à Buenos Aires.
Pendant ses années en tant que peintre, Spilimbergo a élaboré une synthèse très personnelle de styles variés, classiques et modernes. Du post-impressionnisme de sa première période, dominée par les paysages et les scènes locales, il est ensuite passé à l’étude de la figure humaine, ses sujets incluant les marginaux et les déshérités, les habitants des bidonvilles de Buenos Aires aussi bien que les travailleurs ruraux des provinces du nord.

Alejandro Xul Solar (1887-1963)

Alejandro Xul Solar est né à Buenos Aires le 14 décembre 1887, d’un père d’origine lettone et d’une mère italienne.
Dès sa jeunesse il s’intéresse à la littérature, la musique et la peinture. Il étudie le violon et le piano et, à 22 ans, commence à écrire de la poésie. Il entame des études d’architecture à l’Université de Buenos Aires et économise son argent pour un futur voyage en Europe qu’il estime ne pas devoir durer plus d’un mois. Il part le 5 avril 1912 à destination de Londres.
Son séjour en Europe va finalement durer… 12 ans !
C’est à Paris, en 1916, qu’il adopte son nom artistique Xul Solar. C’est un personnage excentrique, très versé dans la religion, l’astrologie, les sciences occultes, les langues et les mythologies. Sa peinture peut être qualifiée de fantastique, plutôt que de surréaliste (comme elle est parfois définie). On y retrouve aussi son goût de l’architecture.

Bolivie

María Luisa Pacheco (1897–1976)

María Luisa Pacheco, née en 1919 à La Paz et morte en 1982 à New York, est considérée comme la plus importante peintre bolivienne contemporaine.
Après avoir étudié à l’Academia de Bellas Artes de La Paz, elle a travaillé dans les années 40 au journal La Razón comme illustrateur et éditeur de leur section littéraire. Une bourse du gouvernement espagnol lui permet de poursuivre ses études en 1951 et 1952 à la Real Academia de Bellas Artes San Fernando de Madrid .
En 1956, María Luisa Pacheco est récipiendaire de trois bourses de recherche consécutive de la Fondation Guggenheim à New York, qui acquiert également plusieurs de ses œuvres. C’est à cette occasion qu’elle s’installe à New York où elle vivra jusqu’à sa mort.
Ses peintures, à la fois abstraites et figuratives, sont inspirées par les peuples Aymara et Quechua de Bolivie, ainsi que par les glaciers et les sommets de la cordillère des Andes.

Brésil

Emiliano di Cavalcanti (1897–1976)

Caricaturiste à ses débuts, Cavalcanti participe en 1922 à la Semaine d’art moderne de São Paulo, qu’il a d’ailleurs aidé à organiser. Il décide ensuite de s’installer à Paris (1923-1925) où Picasso, Léger, Cocteau, Satie deviennent ses amis. Son œuvre est d’abord marquée par Chagall et l’expressionnisme (Cinco Moças de Guaratinguetá, 1930), avant de se confronter au Picasso de la période classique. Cavalcanti rendra hommage, sa vie durant, à la femme et, plus précisément, à la mulâtresse dont il fait un symbole social (Samba, 1928). Ce thème s’inscrit dans les préoccupations politiques de l’artiste qui s’accentueront après 1930. En 1955, Cavalcanti publie son autobiographie tandis qu’il participe à la Biennale de São Paulo (en 1951, 1953 et 1963) et à celle de Venise (1956). Le M.A.M. de São Paulo, qui conserve un très important fonds de dessins, a organisé une rétrospective de son œuvre en 1971.

Tarsila do Amaral (1886–1973)

Tarsila ne fait ses débuts qu’à l’âge de trente ans : après un enseignement académique à São Paulo, elle fréquentera l’académie Julian à Paris (1920-1922). En 1922, à São Paulo, elle se joint aux Modernistes regroupés autour d’Anita Malfati avant de retourner à Paris pour suivre les cours de Gleizes et de Lhote. Elle y fréquente Léger et surtout Blaise Cendrars qui préfacera son exposition de 1926 à la galerie Percier (Paris). En 1923, elle signe La Négresse, une œuvre à mi-chemin entre l’esthétique abstraite et la figuration primitiviste qui annonce les deux mouvements fondés par son compagnon Oswald de Andrade auxquels sa peinture va largement contribuer. Aux œuvres Pau-Brasil dominées par la ville et l’homme, une lumière diurne et un style issu du purisme (Chemins de fer nationaux, 1924) succèdent celles de l’Anthropophagie dominées par la jungle et d’étranges figures, une lumière nocturne et un style tout en courbes (Abopuru, 1928). Son œuvre prend un tournant plus social après 1933 (Operários, 1933).
Tarsila participe à la Biennale de São Paulo en 1951 et 1963, à celle de Venise en 1964 et son œuvre a fait l’objet d’une rétrospective au M.A.M. de São Paulo en 1969. La France ne conserve d’elle qu’une seule toile (A cuca, 1924, musée de Grenoble).

Siron Franco (1947–)

Siron Franco, né en 1947 à Goiás Velho, au Brésil, travaille dans de nombreux matériaux une peinture à grande échelle et des installations sculpturales comme son Monument pour la Paix de 1992 à Rio de Janeiro.
Exposant depuis 1967, et résident à Goiânia et à São Paulo, Siron Franco s’engage souvent dans les questions environnementales et sociales, comme dans ses peintures de « fourrure » en réponse à la traite des fourrures illégale, ou ses tableaux sur la répression du Mouvement des Sans Terre.
L’œuvre de Siron Franco est parfois semi-figurative ou même abstrait et d’autres fois très picturale, avec des surfaces tactiles créées à partir de couches de matériaux différents.

Candido Portinari (1903–1962)

Portinari a peint près de 5000 œuvres, qui vont de petites esquisses à de vastes peintures murales. Il fut l’un des plus importants artistes brésiliens dans le courant du néo-réalisme.
Fils d’immigrants italiens, né dans une plantation de café, Candido Portinari est le deuxième enfant d’une fratrie de 12. De famille humble, il arrête très tôt les études mais manifeste très jeune une vocation artistique. En 1918, il rentre à l’École des beaux-arts de Rio de Janeiro et fait des photographies pour vivre. En 1928, il obtient une bourse de voyage, se rend en Europe et s’installe à Paris de 1930 à 1935. De retour dans son pays, il se consacre à l’art monumental civil et religieux, où il exprime, à travers sa peinture, son idéal social : Café (1938), la Musique nègre (1943) et Cycle biblique (1943 – clairement influencé par le Guernica de Picasso). Ses compositions sont marquées par la violence de la lumière, la vibration des couleurs, l’expression tragique des visages. Ses peintures destinées à l’art religieux sont empreintes de mysticisme et d’intensité dramatique. On lui doit également les fresques de la Guerre et la Paix (1954-1955) pour le palais de l’O.N.U. à New York.
Il est mort en 1962 des suites d’une intoxication au plomb.

Lasar Segall (1891–1957)

Peintre brésilien d’origine russe, Lasar Segall est, avec Portinari et Di Cavalcanti, un des artistes brésiliens les plus importants de sa génération, tant son œuvre formée à la révolte de l’expressionnisme allemand s’est accordée à la démesure et au pathétique de l’univers brésilien.
Juif d’origine russe, Segall se mêle dès 1906 et jusqu’en 1923 (date à laquelle il prend la nationalité brésilienne) à la vie artistique de Berlin et de Dresde, participant à toutes les manifestations importantes du mouvement expressionniste. D’un trait anguleux qui domine tout autre élément plastique et prévaut sur la composition, dans une gamme de couleurs extrêmement sourdes et sobres, Segall met en images un univers famélique et pitoyable, celui des Camps de concentration, du Bateau des émigrants et des Femmes errantes (1939-1941). Homme passionné et meurtri, le peintre, dans ces vastes compositions, se fait, d’une voix éloquente, le porteur d’un message de nostalgie et d’errance, où se lisent les obsessions de sa jeunesse, le tragique de son siècle et l’accablement de la condition et de la misère populaires.

Chili

Roberto Matta (1911–2002)

Roberto Antonio Sebastián Matta Echaurren, connu sous le nom de Matta, est un peintre chilien
Après des études d’architecture, il gagne l’Europe en 1930, rencontre Magritte en 1934 et travaille dans l’atelier de Le Corbusier. Lié à l’Anglais Gordon Onslow-Ford, il se met à peindre vers 1937, encouragé par Dalí, Picasso et André Breton (ils me dirent : « Tu es surréaliste ! » Je ne savais même pas ce que cela voulait dire…).
Dans ses Morphologies psychologiques (1938, New York, coll. part.), son style est déjà constitué, qui se compose de grandes taches lyriques à interpréter figurativement. Pendant la guerre, en Amérique (où il se rend à la demande de Marcel Duchamp), il participe à l’activité des surréalistes européens en exil : revues View (1941) et VVV (1942 et 1944), exposition First Papers of Surrealism. Exclu du groupe surréaliste en 1948, il revient en Europe. Il exécute une vaste peinture murale pour les bâtiments de l’Unesco à Paris (1956). Ses œuvres critiquent alors souvent la société moderne : Les roses sont belles (1952) fait allusion au procès des Rosenberg, La Question (1957) répond à la torture pendant la guerre d’Algérie, Burn, baby burn (1965-1967) stigmatise la guerre du Viêt-Nam.
Il se rend en 1963 à Cuba (où il créera en 1982 le musée de l’Art de l’homme latino-africain) et peint en 1971 dans les rues de Santiago du Chili. Il participe activement aux événements de mai 1968 en France.
Très à l’aise dans les très grands formats, ses toiles mesurent souvent 10 m de long et parfois davantage. Il a réalisé des environnements en couvrant de ses toiles murs et plafond en 1968 au M.A.M. de la Ville de Paris par exemple, où il montra la totalité de son cycle de 21 peintures, l’Espace de l’espèce, commencé en 1959. Il travaille également le pastel aux formes de contours plus nets et plus solidement ancrées dans l’espace du tableau et en dessins inspirés d’œuvres littéraires (La Tempête de Shakespeare, Don Quichotte).
Une exposition rétrospective de son œuvre a eu lieu en 1985 au M.N.A.M. de Paris, où il est notamment représenté par de grandes compositions.

Claudio Bravo (1936–2011)

Le peintre hyperréaliste chilien Claudio Bravo est décédé samedi 4 juin 2011 à Taroudant, à l’âge de 74 ans, des suites d’une crise d’épilepsie. Installé depuis 1972 au Maroc qu’il considérait comme sa seconde patrie, afin d’échapper à la vie trépidante d’artiste reconnu qu’il menait à Madrid, le peintre y possèdait trois résidences : à Taroudant, une maison inventée, son refuge d’artiste, sa forteresse contre l’extérieur ; à Marrakech, un petit palais dans la Médina ; et à Tanger, un jardin sublimé.

Né le 8 novembre 1936 à Valparaíso, Claudio Bravo entre en 1945 au Colegio San Ignacio de Santiago du Chili et étudie les arts au studio de Miguel Venegas Cienfuente à Santiago.
En 1954, il présente sa première exposition au Salón 13 à Santiago. Il n’a alors que dix-sept ans. En 1955, il danse professionnellement avec la Compañía de Ballet de Chile et travaille pour le Teatro de Ensayo de la Universidad Católica de Chile.
Dans les années 1960, il s’établit à Madrid et devient portraitiste. Il acquiert une reconnaissance pour son habilité à recréer la similitude, à dépeindre les objets et les formes complexes, qui rappelle celle de Velazquez.
En 1968, Bravo reçoit une invitation du président Marcos des Philippines pour venir le peindre, lui et sa femme Imelda, ainsi que d’autres membres de la haute société.
Bravo déménage en 1972 à Tanger.
Il est aujourd’hui l’un des artistes latino-américain les plus côté sur le marché de l’art : sa toile “Anunciación” (1998) s’est vendu 1,27 millions en 2008 chez Christie’s.

Mario Carreño (1913–1999)

Mario Carreño est un peintre chilien d’origine cubaine, né à La Havane en 1913 et mort à Santiago du Chili en 1999.
Après avoir étudié l’art à l’Academia San Alejandro en 1925, il organe sa première exposition personnelle à Cuba en 1930, puis se rend à Madrid où il travaille comme humoriste politique. De retour à Cuba en 1936 (à cause de la guerre civile espagnole), il voyage au Mexique pour assimiler l’enseignement des muralistes (Diego Rivera, José Clemente Orozco et Rufino Tamayo), mais c’est surtout sa formation aux côtés du peintre dominicain Jaime Colson qui aura une influence décisive sur sa formation esthétique.
Après un voyage à Paris (il rejoint l’Académie Julien, où il étudie avec Jean Souverbie, puis tient une exposition en 1939 à la Galerie Bernheim-Jaune), il se rend à New York, où il reste près de 10 ans, enseigne et expose à la New School for Social Research, partageant son temps entre New York et de longs séjours à Cuba. Ses œuvres font partie de la mémorable exposition Peintres modernes cubains (M.A.M., 1944).
Entre 1951 et 1954 il a d’importantes activités artistiques et éducatives à La Havane, où il donne un cours d’Art moderne à l’École San Alejandro.
En 1956, il reçoit une invitation du Chili pour donner des cours sur « L’évolution de l’art contemporain » à l’Université de Concepcion. En 1958, il s’installe définitivement dans le pays et y reste jusqu’à sa mort en 1999.
Ses œuvres sont, pour une bonne part, allégoriques, symboliques et figuratives, avec une période abstraite dans les années 50.

Colombie

Débora Arango (1907-2005)

Debora Arango, née à Medellín en 1907, est une peintre expressionniste et aquarelliste colombienne.
Rebelle, transgressive, controversée, Débora Arango a abordé de front la vie sociale et politique de son pays : elle a peint des travailleurs marginalisés, des nonnes, des prostituées, des femmes reléguées, la douleur et les abus, les manifestations politiques et populaires, dénonçant la violence d’une société pleine de vieux préjugés. Elle a été la première femme colombienne qui a osé peindre des nus, et a donc été fortement critiquée. Elle est aussi connue pour ses satyres politiques peintes avec des animaux.
Montrant dès l’enfance des dispositions pour la peinture, elle rejoint l’Institut des Beaux Arts de Medellín, puis fait ses classes auprès des maîtres Eladio Vélez, qui lui enseigne les secrets du dessin, et de Pedro Nel Gómez, dans l’atelier de qui elle apprend la dynamique et la vitalité du mouvement, le sens de la couleur.
En 1937, elle expose des aquarelles de paysages, d’animaux et de natures mortes avec Nel Gómez.
En 1939, elle participe à l’Exposicion de Artistas Profesionales au Club Unión de Medellín, où elle expose des aquarelles et peintures à l’huile, y compris deux nus, « Bailarina en reposo » et « Cantarina de Rosa », qui remporte le premier prix. Le scandale éclate aussitôt : la société politique et intellectuelle désavoue son travail, le qualifiant de sordide, obscène et pornographique.
En 1946, elle se rend à New-York et au Mexique, pour étudier la technique de la fresque murale. A son retour, en 1948, elle expose à nouveau. Et nouveau scandale à propos de son tableau « Adolescencia ». Elle décide alors de ne plus exposer, mais continue à travailler. Elle dépeint alors la violence qui secoue son pays au tournant des années 50 : l’assassinat du leader libéral Jorge Eliécer Gaitán en 1948, qui est à l’origine du bogotazo (insurrection populaire) et de la Violencia – guerre civile – qui s’ensuit ; l’élection controversée de Laureano Gómez, président élu en 1950, qu’elle représente sous la forme d’un crapaud (favorable à Hitler et Franco, il a été suspecté d’être impliqué dans l’assassinat de Gaitán) – il est renversé en 1953 par le général Gustavo Pinilla, lui même renversé en 1957 par une junte miltaire, que Débora dépeint comme un rassemblement de singes grimaçants.
Le 28 Février 1955, elle expose à Madrid, avec d’autres artistes colombiens. Le lendemain, ses œuvres son retirées par ordre du gouvernement espagnol dirigé par le général Franco. C’est pour elle une très grande douleur. Elle se réfugie alors dans sa maison atelier appelée « Casablanca », où elle réalise des peintures murales en céramique. Ce n’est qu’en 1975, la révolution sexuelle étant passée par là, qu’elle peut de nouveau exposer. En 1984, le Musée d’Art Moderne de Medellín lui consacre une exposition rétrospective de plus de 250 œuvres.
Débora Arango a fait don en 1986 de sa collection entière au Musée d’Art Moderne de Medellín.
Forte dans ses convictions et sans peur dans son désir de liberté, Débora Arango est morte en Décembre 2005, à l’âge de 98 ans, son talent et sa contribution à l’art colombien enfin pleinement reconnu, comme une Pitonisa (diseuse de bonne aventure) madrilène le lui avait prédit en 1954.

Fernando Botero (1932–)

Peintre et sculpteur colombien né le 19 avril 1932 à Medellín.
Le jeune Fernando Botero suit une école de tauromachie pendant plusieurs années, mais sa véritable vocation est l’art. Adolescent, il commence à peindre, puisant son inspiration dans l’art précolombien et le style colonial espagnol qui l’entourent, ainsi que dans l’œuvre politique du peintre muraliste mexicain Diego Rivera. Botero expose pour la première fois ses tableaux en 1948 et donne, deux ans plus tard, sa première exposition individuelle à Bogotá. Au début des années 1950, il part étudier la peinture à Madrid et gagne sa vie en faisant des copies de tableaux conservés au musée du Prado – notamment de Goya et Velázquez, ses idoles de l’époque –, qu’il vend aux touristes. Il consacre une grande partie des années 1950 à l’étude des trésors artistiques de Paris et de Florence.
C’est à cette époque que Botero commence à jouer sur les proportions et la taille des sujets qu’il peint. Quand il s’installe en 1960 à New York, il a trouvé son style, qui va le rendre célèbre dans le monde entier : des tableaux, marqués par des personnages ronds et parfois obèses, célèbrant le plaisir de la chair et la volupté.
Au milieu des années 1970, il part vivre à Paris et apprend la sculpture. Fernando Botero, l’un des artistes les plus reconnus de sa génération, expose ses oeuvres en bronze notamment sur les Champs-Elysées en 1992, à New York en 2006 (sur les tortures de la prison d’Abu Ghraib) et, en 2007, au Musée national des beaux-arts à Québec.

Enrique Grau (1920-2004)

Enrique Grau est considéré comme un des principaux peintres colombiens du 20e siècle, avec Fernando Botero et Alejandro Obregón.
Grau est né à Panama City, au Panama, de parents colombiens, et a grandi à Carthagène, en Colombie. Il a étudié à l’Art Students League de New York de 1941 à 1943 et, par la suite, a visité l’Italie, où il étudie la fresque et les techniques de gravure à l’Académie San Marco de 1955 à 1956 avant de s’installer à nouveau en Colombie.
Il a remporté le Salón de Artistas Colombianos en 1957, lancement d’une carrière fructueuse. Ses associations de figures blanches, noires et indigènes, et d’objets tels que des masques, des œufs, des fruits ou des cages lui apporte une renommée internationale, avec des expositions au Musée Guggenheim de New York et au M.A.M. de Paris. Il fut également enseignant à l’Escuela de Artes Bellas de l’Universidad Nacional de Colombia de Bogotá, de 1951 à 1952, et de 1957 à 1961.
Enrique Grau a fait don de 1300 œuvres d’art (y compris d’autres artistes) à la ville de Carthagène. Il est mort à Bogotá à l’âge de 83 ans.

Omar Rayo (1928-2010)

Omar Rayo est un peintre et sculpteur colombien. Son œuvre, géométrique et abstraite, emploie principalement le noir, le blanc et le rouge et peut être apparentée à l’Op’Art.
Né en 1928 à Roldanillo (Colombie), Omar Rayo a commencé sa carrière artistique en 1947, par le dessin et l’illustration pour des journaux et des magazines à Bogota. Entre 1948 et 1954, il expose ses œuvres à plusieurs reprises à Bogota et dans d’autres villes de Colombie. En 1954, il commence des voyages d’étude dans tous les pays d’Amérique latine. De 1959 à 1960 il obtient une bourse pour vivre au Mexique et, depuis lors, il vit à New York.
Dans sa ville natale, il a fondé un musée, le Musée Rayo, qui possède aujourd’hui l’une des meilleures collections d’artistes latino-américains.
Les travaux d’Omar Rayo sont une nouvelle façon d’exécuter et de présenter ces labyrinthes géométriques et complexes si typique des plus anciennes cultures des Amériques. Il montre aussi que l’art géométrique n’est pas nécessairement froid et rationnel et peut être traduit dans des formes et des motifs voluptueux, gais, enjoués, ardents et sensuels.

Cuba

Roberto Fabelo (1951-)

Roberto Fabelo est un artiste contemporain cubain. Il est à la fois peintre, illustrateur et sculpteur.
Né en Guáimaro, Roberto Fabelo a étudié à l’Ecole Nationale d’Art (diplômé en 1972) et à l’Institut Supérieur d’Art de La Havane (diplômé en 1981).
Ses dessins, huiles et aquarelles tiennent de l’expressionnisme, du surréalisme et même du fantastique, dans la veine d’un Enki Bilal dont on peut retrouver le style, notamment dans ses dessins.
Son travail a été montré dans plus de quarante expositions personnelles et plus de 500 expositions de groupe dans le monde entier, à Cuba, en France, Italie, Japon, Mexique, Espagne et Etats-Unis. Il a également illustré une édition de 2007 de 100 ans de solitude de Gabriel García Márquez.
Il a été décrit par le Dallas Morning News en 2002 comme « l’un des artistes cubain de premier plan ». L’Etat cubain lui a décerné une médaille pour la culture nationale et la médaille Alejo Carpentier pour sa carrière artistique exceptionnelle.

Antonio Gattorno (1904–1980)

Antonio Gattorno a été le premier artiste cubain de sa génération à atteindre une renommée internationale mais reste aujourd’hui très sous-estimé.
Il commence ses études à San Alejandro en 1916 et décroche en 1920 une bourse de voyage en Europe où il arrive doté déjà d’un solide métier. Il fait des études à Rome, en Espagne et enfin à Paris. La connaissance et l’étude de la peinture européenne sont décisives dans son évolution d’artiste. De retour à Cuba, il fait une exposition personnelle (mars 1927) qui résume son voyage d’études et comprend aussi des œuvres peintes à Cuba. Cette exposition prépare la voie à l’Exposition d’art nouveau qui se tient en mai et où il montre, entre autres pièces, son Mujeres junto al río, l’une des premières versions plastiques du criollismo moderniste.
À peine de retour d’Europe, il fait les premières transpositions de la peinture moderne européenne à des thèmes cubains. Les travaux de Gattorno de cette époque (1927 1939) sont devenu l’archétype du primitivisme cubain moderne et ont fixé la norme pour la génération des peintres cubains connu sous le nom de Vanguardia, un groupe qui comprend Wifredo Lam, Victor Manuel et Amelia Pelaez.
À la fin des années 30, il s’établit aux USA (sa première exposition, à la Galerie Georgette Passedoit de New York en 1936, sera même parrainée par Hemingway) où il renonce à la peinture d’inspiration criolla et s’oriente vers le surréalisme. Hélas, Gattorno ne sait pas gérer sa carrière et, à sa mort, beaucoup de ses chefs-d’œuvres (comme La siesta, peint en 1939) dorment, oubliés, dans son grenier.
Teresa Cabral, nièce du peintre, a hérité de sa collection de tableaux, dessins, estampes, céramiques, mobilier, et d’importants fichiers comprenant des catalogues, des photographies, de la correspondance et une grande variété d’objets personnels et professionnels. Avec son mari Sean Poole, ils ont créé la Fondation Gattorno, monté des expositions et publié un livre sur l’artiste. La redécouverte et la reconnaissance actuelle d’Antonio Gattorno comme l’une des figures majeures de la peinture cubaine est largement due à leurs efforts.

Wifredo Lam (1902–1982)

Wilfredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla, dit Wifredo Lam, est né à Sagua la Grande, (Cuba) le 8 décembre 1902 (année de la proclamation de la république, après plus de trois siècles de domination espagnole) et mort à Paris le 11 septembre 1982.
Peintre cubain, initiateur d’une peinture métissée alliant modernisme occidental et symboles africains et caribéens, créant ainsi un langage singulier et contemporain, il fut un proche de Picasso, des surréalistes qui le reconnaissaient comme l’un des leurs.
Sa mère, Ana Serafina Castilla, née en 1862, est une mulâtresse descendant d’Espagnols et de Noirs du Congo déportés. Son père, Enrique Lam Yam, né vers 1818, est un Chinois originaire de la région de Canton qui a émigré vers les Amériques. Ce dernier meurt en 1926, à l’âge de cent huit ans. Son épouse lui survit jusqu’en 1944.
Sagua la Grande est une petite ville sur la côte nord, centre sucrier de la Province de Las Villas. C’est là qu’il passe son enfance, dans un environnement mêlant plusieurs civilisations et croyances : le catholicisme cubain auquel appartient sa mère ; le culte des ancêtres pratiqué par son père chinois ; et les traditions africaines, liées à la santería, que lui apprend sa marraine, Antonica Wilson, dite Mantonica, une prêtresse très renommée de ce rite. Il apprend auprès d’elle les rudiments du culte et de ses mystères, sans jamais être initié. Elle lui ouvre un monde peuplé d’esprits et d’invisibles.
En 1916, Wilfredo et une partie de la famille s’installent à La Havane. De 1918 à 1923, Lam est inscrit à l’Escuela Profesional de Peinture de San Alejandro. C’est à l’âge de 21 ans qu’il prend la nationalité cubaine, étant jusqu’alors chinois par sa filiation.
De 1923 à 1938, Lam part vivre en Espagne. Il demeure le plus souvent à Madrid. C’est pour le peintre une longue période d’apprentissage et de recherches. L’Espagne est aussi pour Lam une terre d’expériences tragiques. Aux douleurs personnelles (la perte d’une épouse et d’un fils en 1931) s’ajoutent les drames de l’Histoire (la montée du fascisme et la guerre civile). Il s’engage auprès des Républicains dès le 18 juillet 1936, participe à la défense de Madrid, puis travaille dans une usine d’armement.
Lam quitte l’Espagne en mai 1938 pour Paris où il s’installe jusqu’en juin 1940. Ce séjour est d’une importance capitale. Il est accueilli par Picasso qui sera pour lui un « incitateur à la liberté ». L’Espagnol lui présente Matisse, Léger, Braque, Miró, Breton, Éluard…, les marchands d’art Daniel-Henry Kahnweiler, Pierre Loeb… Par l’entremise de Breton, il fait la connaissance des surréalistes, Masson, Tanguy, Matta, Ernst… Il peint beaucoup et, dans cette vaste expérimentation stylistique, il reçoit l’approbation de Picasso qui lui dit : « Je ne me suis jamais trompé sur toi. Tu es un peintre. C’est pour cela que j’ai dit la première fois que nous nous sommes vus que tu me rappelais quelqu’un : moi ». Cette affirmation artistique est aussi couronnée par deux expositions qui se déroulent à Paris et à New York en 1939.
La défaite de la France en juin 1940 marque la fin d’une époque. Il abandonne Paris et gagne Marseille où sont réfugiés tous les intellectuels hostiles au nazisme et nombre de surréalistes regroupés autour de Breton. Après quelques mois d’attente anxieuse, ils peuvent quitter le territoire en direction de l’Amérique (avec escale à La Martinique, où il fait la connaissance d’Aimé Césaire – début d’une grande amitié).
Lam accoste Cuba en août 1941. Il se sent dépaysé dans son propre pays – « ce que je voyais à mon retour ressemblait à l’enfer » – révolté par la misère des Noirs sous le régime de Batista. C’est le déclic : ses toiles deviennent des armes qui dénoncent et contestent ; en puisant dans le monde magique de son enfance, en s’inspirant des cérémonies de la santería ou des rites abakuas, il peint le drame de son pays en faisant revivre les mythologies d’une population brimée et asservie. Inspiré et bien entouré, Wifredo travaille avec acharnement. Si La Jungle exposée en 1944 à New York fait scandale, elle est achetée par le MoMA dès 1945. Lam peint désormais dans une liberté absolue tandis que son œuvre est l’objet d’une reconnaissance internationale. Rayonnant depuis Cuba, il se rend en Haïti dès la fin 1945, en France et à New York (1946 et 1948), en Suède (1955), au Venezuela (1955, 1956 et 1957), au Mato Grosso (1956), au Mexique (1957), à Cuba (1958), à Chicago (1958 et 1960). Sans jamais cessé de créer. Cuba, après la révolution castriste, lui réserve un accueil triomphal en 1963.
A partir de 1957, Lam se rend régulièrement en Italie et séjourne à Albissola, petite ville balnéaire de la côte ligure. Il y retrouve de nombreux artistes : Asger Jorn (qui l’initie à la céramique), Fontana, Appel, Matta… À partir des années 1960, Lam produit aussi beaucoup de gravures. Une grande partie de son travail est destiné à illustrer des albums de poètes, parmi ses plus proches amis : Aimé Césaire, André Breton, René Char, Michel Leiris, Tristan Tzara…
En août 1978, il est terrassé par une attaque cérébrale. Il en sort à moitié paralysé et cloué dans un fauteuil roulant. Dès lors, il partage ses années entre Cuba et Albissola. Il meurt à Paris le 11 septembre 1982. Des funérailles nationales sont organisées le 8 décembre à La Havane, célébrant ainsi l’un des plus grands créateurs du XXe siècle.

Amelia Peláez (1905–1981)

Amelia Peláez del Casal est une importante peintre de l’Avant-garde cubaine. Elle est née en 1896 à Yaguajay, dans la province cubaine de l’ancien Las Villas. En 1915, sa famille déménage à La Havane, ce qui lui donne l’occasion d’entrer dans la Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro. En 1924, elle expose ses peintures pour la première fois, avec une autre femme peintre cubain, María Pepa Lamarque. Elle part pour l’Europe en 1927, s’établit à Paris, visite l’Espagne et l’Italie entre autres.
A Paris, elle prend des cours de dessin à l’Académie de la Grande Chaumière, puis entre à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts et l’École du Louvre. En 1931, elle commence à étudier avec Alexandra Exter. Elle expose à la Galerie Zak en 1933, et retourne à Cuba l’année suivante.
En 1950, elle ouvre un atelier à San Antonio de los Baños, une petite ville près de La Havane, où elle se consacre, jusqu’en 1962, à son passe-temps favori : la poterie.
Elle a également réalisé plusieurs peintures murales, situées principalement dans des écoles de Cuba.
Elle a reçu des prix dans l’Exposition Nationale des Peintres et Sculpteurs en 1938, et a collaboré avec plusieurs revues d’art à Cuba. Elle a montré ses peintures à la Biennale de São Paulo en 1951 et 1957, et a participé en 1952 de la Biennale de Venise.

René Portocarrero (1912–1985)

René Portocarrero est considérée comme l’une des figures majeures de l’art cubain et l’un des plus grands artistes du XXe siècle à Cuba. Il a peint sans relâche depuis son enfance, toujours dans sa spontanéité : il n’avait aucune idée du tableau qu’il allait créer jusqu’à ce que le pinceau frappe la toile.
Né dans le quartier d’El Cerro (La Havane) en 1912, René Portocarrero commence à peindre dès son jeune âge et, à 14 ans, entre à l’Académie des Beaux-Arts San Alejandro. Ayant un fort tempérament et incapable de s’adapter à cet apprentissage, il quitte l’institution et commence son propre travail, avant d’exposer au Salon des Beaux-Arts de La Havane.
Portocarrero a été professeur à l’Institut libre de peinture et de sculpture d’Eduardo Abela en 1939. L’artiste a visité Haïti, l’Europe et les États-Unis, où il a inauguré une exposition à la Galerie Julien Levy, à New York, en 1945. Il a également travaillé sur de nombreuses peintures murales et de la céramique. Il est mort à La Havane le 7 avril 1985.
Les œuvres de Portocarrero sont exposées dans les collections permanentes des Musées d’Art Moderne de Sao Paulo, Rio de Janeiro, New York et San Francisco, entre autres.

Mariano Rodríguez (1912-1990)

Mariano Rodríguez, peintre autodidacte, est né à La Havane en 1912. Il a travaillé sous la direction de Rodriguez Lozano au Mexique, en 1936. De retour à Cuba, il ouvre sa première exposition dans un lycée de La Havane, en 1942. Il expose aussi à New York, en 1945, 46 et 48.
En 1941, il peint le premier de ses « gallos » – ces coqs qui lui donnèrent une grande popularité. L’un d’eux, datant de 1941, a été acquis par le MoMA de New-York.
Dans les années 60, il commence à travailler à la Casa de las Americas de La Havane, institution culturelle dont il est nommé directeur du Département des Beaux-Arts en 1970.
En 1981, il a reçoit la orden Félix Varela de primer grado, le plus grand honneur que Cuba accorde aux personnalités de la culture. Il est également élu député.
Mariano Rodríguez est souvent qualifié de « magicien », sachant retranscrire dans ses tableaux les lumières et les formes de la nature. Il était un « rebelle », contre toutes les tendances modernes déjà établies de son temps. Ce qui ne l’empêchait nullement de chercher de nouvelles formes d’expressions. Beaucoup de ses travaux ont été exposées ou sont montrés de façon permanente au MoMA de New York, au San Francisco Museum, à l’Institute of Arts de Chicago, au MAM de Paris, à Stockholm, Mexico, Buenos Aires…

« Quand les critiques ont essayé de caser l’œuvre de Mariano Rodríguez, de la définir, ils n’ont pu, paradoxalement, que retomber sur des adjectifs d’insubordination, tant sa peinture est exubérante, joyeuse, dynamique, essentielle. Comme ces coqs qui, chaque matin, chantent une aube nouvelle. » Mario Benedetti.

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